Alejandra Borrero, una de las actrices más respetadas y admiradas de Colombia, recibirá este año el galardón Víctor Nieto a toda una vida durante el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI). Este prestigioso premio es un merecido reconocimiento a una carrera que ha abarcado más de tres décadas y que ha dejado una huella significativa en la cultura y la sociedad colombianas.
Al ser preguntada sobre este galardón, Alejandra Borrero expresó su emoción y gratitud, y señaló que este premio es un reconocimiento a muchos años de trabajo, sacrificio y amor por el arte de la actuación. Sin embargo, también destacó que este sentimiento es encontrado, ya que le están otorgando premios por toda una vida y obra, lo que la hace sentir un poco nostálgica.
Cortesìa
En el conversatorio en su honor durante las charlas de NIDO en el FICCI, Borrero habló sobre su carrera y su esencia como artista. «Soy una mujer que ha hecho lo que ha querido en su vida», afirmó, dejando claro que ha sido una actriz que ha explorado todas las facetas de la vida y ha utilizado la actuación como una forma de acercarse a todas ellas.
Durante su carrera, Alejandra Borrero ha sido una figura importante en el ámbito social y cultural de Colombia, utilizando su arte como una herramienta para promover el cambio y la reflexión. Su obra teatral Victus, por ejemplo, es un claro ejemplo de cómo la reconciliación y la esperanza pueden ser representadas en el escenario, y cómo el teatro puede ser una forma de sanación y no revictimización para aquellos que han sufrido en el contexto del conflicto armado Colombia
Además, Alejandra Borrero es una artista que ha explorado todas las facetas de la vida, tanto personales como profesionales, y ha utilizado la actuación como una forma de acercarse a todas ellas. A través de su trabajo, ha sido capaz de descubrir aspectos de sí mismo que no conocía y ha encontrado la felicidad en su carrera.
En definitiva, Alejandra Borrero es una artista que ha dejado una huella significativa en la cultura y la sociedad colombianas, y su galardón Víctor Nieto a toda una vida es un merecido reconocimiento a una carrera que ha sido un ejemplo de dedicación, compromiso y amor por el arte de la actuación.
Gracias a la participación de la Orquesta Sinfónica de Bolivar bajo la dirección de Germán Céspedes se va realizar un cine concierto en la edición 62 del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias –FICCI-.
Se trata de una reinterpretación sinfónica de importantes bandas sonoras de al menos 10 películas colombianas. En el repertorio se destacan bandas sonoras en las que Francisco Lequerica participó.
“Queremos dar las gracias al FICCI y UNIBAC por sumarse a esta actividad, así como a los productores de las películas colombianas que acudieron a la convocatoria y depositaron toda su confianza en la Academia para adaptar los filmes y sus bandas sonoras al ensamble musical de esta versión”, señala Elkin Zair Manco, director ejecutivo de la ACACC.
Al ritmo de Macondo – Fiesta del Cine Colombiano es el nombre que el evento tiene y podrá disfrutarse el próximo jueves 23 de marzo de 2023, a las 7:30 de la noche, en la Institución Universitaria de Bellas Artes y Ciencias de Bolívar (UNIBAC).
Repertorio
Lado A
La estrategia del caracol por Germán Arrieta.
El libro de Lila por Juan Andrés Otálora
Somos Calentura por Sebastián Rocca
Amazona por Camilo Sanabria
Pariente por Edson Velandia
Lado B
La ciudad de las fieras por Francisco Lequerica.
Los días de la ballena por Francisco Lequerica.
Fósforos mojados por Francisco Lequerica.
El árbol rojo por Camilo Sanabria.
Rebelión por Joe Arroyo con arreglos de Francisco Lequerica.
Memento Mori, la ópera prima de Fernando López será la película encargada de abrir la edición 62 del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias –FICCI-.
La historia sumerge al espectador en un relato crudo de la desaparición forzada por parte del paramilitarismo en Puerto Berrío (Antioquia).
“Saber que ‘Memento Mori’ tendrá la posibilidad de ser vista en el Festival es toda una honra. Es muy significativo que el FICCI y su equipo quiera mostrar la película. Es de gran relevancia este escenario que se abre para recibir el filme. Desde los invitados, el público y cada persona allí le dan esa importancia que me hace sentir muy agradecido”, expresa López Cardona, con mucha emotividad y sorpresa al saber que su primer largometraje abrirá uno de los festivales más importantes de Latinoamérica.
Memento Morí se proyectará en la inauguración del FICCI el 22 de marzo en el Teatro Adolfo Mejía. Además, tendrá otras dos proyecciones dentro de la programación.
Sinopsis
Un cadáver decapitado desciende por el Río Magdalena y llega a tierra en Puerto Berrío. Aquí es enterrado como N.N, es un cadáver atribuido a la guerra; así, todo el mundo evita su tumba. Un hombre tiene el coraje de escribir en la lápida «Elegido Uno”: una promesa que lo llevará al infierno para encontrar su cabeza y devolver su dignidad al cuerpo.
Lido Pimienta será la invitada especial de la Convención de la Industria Audiovisual Colombiana, conocida como NIDO. Este espacio se da en el marco de la edición 62 del Festival Internacional de Cine de Cartagena -FICCI-.
La colombo-canadiense será la protagonista del espacio bautizado como NIDO Acústico. Esta presentación es posible gracias al apoyo que el FICCI ha recibido de la Embajada de Canadá en Colombia.
«Una historia de separación del papá de mi bebé y mi mudanza a la gran ciudad con un niño pequeño. Sin conocer a nadie en Toronto, empezar de cero. Tenía un hijo de cuatro años de edad y tenía que ver cómo me mantenía en una ciudad muy cara. En cuanto nos habíamos ido de gira con Tribe, dije: ‘OK, vámonos al estudio. Ya lo vamos a hacer. ¡Estamos listos!’ Y aquí está. ¡Necesitaba sacármelo de adentro, hermana!”, narra Pimienta sobre su proceso de migración a Norteamérica.
NIDO Acústico será el puente entre la música y el cine que presentará el FICCI para el próximo jueves 23 de marzo en la Terraza Palacio de la Proclamación en Cartagena.
Lido Pimienta sostendrá un diálogo sobre las normas que se imponen en la sociedad a las mujeres racializadas en las industrias creativas. La conversación será con Simona Sánchez.
Después de que El Abrazo de la Serpientefuera protagonista en los principales festivales de cine, llegó a la plataforma de RTVC Play. Ahora los colombianos podrán verla gratuitamente accediendo a la plataforma.
El Abrazo de la Serpiente, estrenada en 2016 ha sido la primera película colombiana nominada en una gala de los Premios Óscar. La producción de Ciudad Lunar (también responsable por películas como Los Reyes del Mundo o Pájaros de Verano) ha sido la que más reconocimientos ha obtenido en el cine nacional.
Además de El Abrazo de la Serpiente, el catálogo de RTVC Play cuenta con producciones de primer nivel y clásicas como Visa USA, Un Gamín o Lemebel. Además, tiene producciones televisivas como Romeo y buseta y Dejémonos de vainas.
Para ingresar a RTVC Play puede descargar la aplicación en Play Store y App Store o accediendo a la página web rtvcplay.co. En ella pueden hallar podcast, episodios de varios programas, películas, documentales, telenovelas y series.
Con la dirección de Jacques Toulemonde Vidal, Netflix inició el rodaje de Historia de un crimen: Mauricio Leal. Por el momento la plataforma no ha dado detalles de fecha de lanzamiento y demás.
Según Netflix, esta producción será una película de ficción basada en los hechos reales del asesinato del estilista Mauricio Leal y de su madre Marleny Hernández por Jhonnier Leal, hermano e hijo de las víctimas.
Historia de un crimen: Mauricio Leal será producida por Dynamo, productora que ha sacado adelante producciones como Distrito Salvaje o Frontera Verde.
Mudos testigosse estrenará en el cine nacional el próximo 2 de marzo después de su paso por el Festival de Cine de Rotterdam. La película se estrena en el marco de Cine sin tiempo, ciclo que reúne una selección de obras del cine silente para el 22 de febrero con música en directo de Carlos Quebrada.
La historia sigue una trama de amor entre Efraín y Alicia, que tiene un compromiso con Uribe. La película es codirigida por Luis Ospina y Jerónimo Atehortúa.
Mara Meba (Alicia), Roberto Estrada Vergara (Efraín) y Rafael Burgos (Uribe) -actores de películas de cine de la primera mitad del siglo XX- serán los protagonistas. La idea original del filme fue de Ospina, pero la materializó Atehortúa tras la muerte del cineasta caleño en 2019.
Jerónimo Atehortúa tiene recorrido como crítico, profesor y es quien está detrás de obras como Los cines por venir y productor Pirotecnia y Como el cielo después de llover. Él continuó con lo que Luis Ospina ideó y, siguiendo la inspiración de los directores de la Nueva Ola francesa, decidió debutar en la dirección de un largometraje.
Mudos testigos “es la última película de Luis Ospina y es mi primera película”, dice Atehortúa. Además aclara que aunque está realizada con materiales que se filmaron hace más de 100 años y aún así es un filme contemporáneo.
“Es una película de 2023, preocupada por el futuro del cine, aunque paradójicamente está armada a partir del material de archivo que existe de las películas mudas que se realizaron en Colombia”, sostiene el director.
Aura o las violetas (1924), El amor, el deber y el crimen (1926), Como los muertos (1925), María (1926), Manizales city (1925), El trágico final de Gardel, su última despedida (1935) o Los primeros ensayos del cine parlante nacional (1937) fueron algunos de los filmes que Luis Ospina seleccionó para dar ese arco narrativo que abarca el paso del cine mudo a las películas sonoras.
A partir de ahí, construyó un melodrama clásico a una historia, con lenguaje cinematográfico mucho más moderno, en la que el protagonista empieza a hacerse consciente de la violencia estructural que lo rodea
“Fue una práctica poético-política que entiende que los archivos y la memoria fílmica no son objetos de mausoleo, sino objetos vivos en la medida en que sean utilizados una y otra vez para otorgarles nuevos e inusitados sentidos«, concluye Atehortúa.
Se podría decir que Mudos testigos es un trabajo de collage experimental, un melodrama de 78 minutos que no solo es el filme póstumo de Luis Ospina, o la ópera prima de Jerónimo Atehortúa, sino también un homenaje al cine silente.
Este sábado 21 de enero se presentó por primera vez Milisuthandoen el Prospector Square Theatre para el Festival Intenacional de Cine de Sundance. El filme es una coproducción colombiana junto a Sudáfrica.
Viviana Gómez Echeverry y Sonia Barrera Gutiérrez de la productora Viso Producciones (Entre fuego y agua, El árbol rojo) son la representación colombiana en Sundance con Milisuthando. El filme participa en la competencia oficial en la categoría World Cinema Documentary.
“Estamos muy contentas de que esta producción sea la cuota colombiana en Sundance y que tenga su estreno mundial en tan importante y exigente festival, pues, aunque su historia refleja lo vivido en Sudáfrica, tiene importantes elementos comunes con nuestra propia historia en Colombia, en temas relacionados con el racismo, con procesos que impactan al país, a la población y que, desafortunadamente, sus reparaciones aún son inconclusas, con la carga emocional y cultural heredada de nuestros ancestros”, manifestaron las productoras colombianas Sonia Barrera y Viviana Gómez.
El filme cuenta con la producción, dirección y escritura de la poeta Milisuthando Bongela. Ella hizo la posproducción del filme en Colombia. La película tendrá otras cuatro proyecciones en Sundance: domingo 22, el martes 24, el jueves 26 (con función en línea) y el viernes 27. Los horarios de la programación se pueden consultar en festival.sundance.org.
Sinopsis
La película cuenta cómo en 1992 en Sudáfrica, Milisuthando disfruta de su infancia protegida en La República de Transkei. No tiene idea de la inminente calamidad racial más allá de su ciudad natal. Cuando Transkei se disuelve por el fin del sistema racista del apartheid, Milisuthando, forma parte de la primera generación de niños negros que asiste a las escuelas que anteriormente eran ‘sólo para blancos’. 25 años después, Milisuthando se pregunta por qué Sudáfrica parece estar retornando a su terrible pasado racial.
Desde el pasado 6 de diciembre se dio inicio a la edición número 20 del Festival de Cortos de Bogotá – BOGOSHORTS, con una amplia programación de su competencia para este año. Sin embargo, en uno de los planes distinto del evento se mezcla el cine y la gastronomía.
Se trata del Picnic Nocturno de Cortos, una iniciativa que el próximo 12 de diciembre se llevará a cabo en la Sala al aire libre de City U para quienes quieran pasar un rato disfrutando de cortos en compañía de algún plato.
Serán nueve aprendices del SENA quienes interpretarán varios cortometrajes para capturar la sensación que dejan y plasmarlos en pasabocas para los asistentes.
Abriendo diciembre se estrenó en las principales salas de cine del país La Frontera, la ópera prima del director David David. El filme cuenta con la participación de Alejandro Aguilar, Daylin Vega, Nelson Camayo y Sheila Monterola.
El filme sigue a Diana Ipuana, una joven wayuu embarazada que le hace frente a su destino pese a las dificultades que la frontera de Colombia y Venezuela en La Guajira le presenta. Ella vive esta lucha con una serie de ensoñaciones que le van despejando su devenir a medida que la historia avanza.
La película ha sido laureada en el Festival de Gramado (Brasil) y en el Festival de Málaga (España). También ha sido parte de la selección oficial de una decena de festivales a lo largo del mundo y ahora aterriza en las salas nacionales.
Confidencial Colombiase contactó con David David, director barranquillero de 37 años que con este estreno muestra al mundo su primer largometraje, tras haber participado en una serie de cortometrajes. A continuación lo que nos dijo.
Confidencial Colombia: La Frontera como un concepto puede verse desde de dualidad entre la belleza del paisaje y el drama de los personajes; lo onírico y lo real y demás ¿Cómo se construyó la historia a partir de ello?
David David: Has dicho una palabra que pudo ser un título más conceptual que es la dualidad. La frontera no es solamente el espacio geográfico que separa dos países, que es una visión muy política. Dentro de la historia hay un contraste interesante que logré entender después de conocer a la cultura wayuu más a fondo: para ellos no existen fronteras, ellos habitan La Guajira de Colombia y Venezuela sin entender que hay una frontera en medio. Es complejo cerrar o abrir una frontera que alguien no ve, porque los presidentes de Colombia y Venezuela durante una época estuvieron en pugna, cerraban y abrían las fronteras, pero no tenían en cuenta cómo funcionaba la dinámica local de estos espacios o cómo lo percibe la gente. Desde allí, comencé a construir la historia buscando algunos elementos como la dualidad entre el mundo real –que es cruel y crudo- con ese mundo onírico que parte más de la imaginación de la protagonista. Ella también tiene la oportunidad de expresar sus frustraciones, miedos y deseos que no podía expresar en su realidad.
¿Cuáles fueron esas fronteras o dificultades que tuvieron que trasgredir para que la película llegara a los cines?
El cine nacional tiene que trascender muchas fronteras, muchas dificultades. Una vez tuvimos la noción de que queríamos contar la historia y que podíamos hacerlo manejando los pocos recursos que había al alcance, nos dimos a la tarea de lograrlo. Había cosas que más que fronteras las vi como retos; por ejemplo, plasmar una cultura a la que no perteneces como los wayuu y poner a hablar en wayuunaiki a personas que no lo hablan da un poco de temor, pero descubrí cosas que me hicieron querer hacerlo más. Cuando estaba haciendo el casting de la protagonista me fui a hablar con mujeres wayuu y me di cuenta que muchas no saben hablarlo porque la lengua se está perdiendo. Hacer la película es una forma de decir que existe esta lengua y hay que mantenerla viva. Eso hacía que trascendiera cualquier otro inconveniente en el camino.
Daylin Vega y Sheila Monterola (Proimágenes)
¿Cómo fue el proceso de investigación sobre la cultura wayuu para representarlos en pantalla de una manera adecuada?
Soy de ascendencia guajira, mis papás son del sur de La Guajira. Yo nací en Barranquilla, pero todas las vacaciones de mi vida las he pasado allá. Ahora estoy en Cesar que queda a tres horas y me he sentido inmerso en ese espacio. Fue más un proceso de profundización, no sentí que tuve que acercarme a algo desde cero, sino que era como cualquier otra historia donde debes entender cómo es la cosmovisión de ellos -sobre todo la de las mujeres- o la noción de la familia y para eso me apoyé de personas locales. En el set había una ‘coach’ de diálogo que se encargaba de cerciorarse que estuvieran bien pronunciados los textos de wayu naiki y desde allí uno minimizaba riesgos.
Chalis es un personaje que le da luz y chispa a la historia y que sirve para ver otro semblante de la protagonista ¿Por qué era necesario el personaje?
Era necesario porque para mí todo parte de una búsqueda del equilibrio ¿Qué noción tenemos de una frontera?: tú estás de un lado, otra persona de otro y a la mitad hay algo que nos separa; ¿qué pasa al abrir ese bloqueo?, pues nos aprovechamos de lo bueno que hay del otro lado y ese personaje venía a manifestar eso. También es una exaltación de los contrastes, entonces este personaje debía ser muy distinto de Diana para que no tuvieran afinidad y que la historia fuese revelando qué cosas las reúne. En un aspecto más específico, Chalis se llamó una tía que quise mucho, tenía este desparpajo al hablar y quería verla reflejada en una pantalla por su manera de ser. Cuando entendí la necesidad de construir ese personaje le di visos de personas que conocía y cuando llegó Sheyla Monterola que es la actriz, vino la revelación final. Te soy sincero, cuando pensaba en cómo debía ser Chalis y en el contraste pensé que debía ser una mujer blanca, porque los wayuu le tienen un nombre que son alijunas. Para establecer esta frontera entre las dos creía que el personaje debía ser todo lo opuesto a la protagonista, pero Sheyla trascendió la idea que tenía, fue más allá de la raza y lo interpretó de la manera que necesitaba.
El filme abre con un audio de Nicolás Maduro y es inevitable abstraerse de lo político. Ahora hay un proceso de reapertura de la frontera entre Colombia y Venezuela ¿Cómo ves este cambio después de haber hecho una película que toca este tema?
Eso me ha mantenido tranquilo con la distribución de la película. Este filme la rodamos en 2018, en la pandemia todo se dilató y ahora llega a salas. Cuando grabamos la película creíamos que era pertinente porque en esos momentos había roces entre los presidentes de Colombia y Venezuela. Cuando la estaba terminando la creí pertinente porque empezó la polarización tras la firma del acuerdo; después vino la pandemia que nos habla de otra manera de establecer fronteras, donde la ciencia te decía que tuvieras cuidado porque el de al lado te podía hacer morir con un virus; y ahora se está reabriendo la frontera. Independiente del momento en el que la historia le llegue a cada persona, le va a decir algo.
Miradas Medellín deleitará al público cinéfilo del 23 al 27 de noviembre con diez secciones y foco en cineastas latinoamericanas como Dominga Sotomayor (Chile), Paz Fábrega (Costa Rica) y Clarisa Navas (Argentina).
El Museo de Arte Moderno de Medellín – MAMM será el epicentro del festival de cine con una programación diversa para el sector audiovisual y proyecciones de la Selección Oficial de Largometrajes Colombianos.
«Volvemos a mirarnos desde el audiovisual en esta segunda edición de Miradas Medellín, y que esta vez llega a las UVAs, casas de cultura, Red ECREA, al Sistema de Bibliotecas Públicas, a las cuadras, donde vamos a tener la selección oficial en los barrios y comunas de Medellín. Esto nos permite expandir no solamente las prácticas audiovisuales, sino llevar también el audiovisual a diferentes lugares de la ciudad”, afirmó el secretario de Cultura Ciudadana, Álvaro Narváez Díaz.
Serán más de 100 títulos entre el cine nacional y latinoamericano, con formatos de ‘video-mapping’, video concierto, talleres formativos y clases maestras en más de 20 escenarios de la ciudad.
La Selección contará con ocho títulos destacados de este 2022 en salas de cine colombiano como El Árbol Rojo de Joan Gómez, Rebelión de José Luis Rugeles o La Jauría de Andrés Ramirez Pulido.
Entre las actividades más destacadas están la Noche Extendida del MAMM con un conversatorio de creadores y la proyección de la muestra de videoclips colombianos Conexiones Diversas, que es una estrategia cuyo objetivo es fortalecer las redes del sector audiovisual en los grupos poblacionales de mujeres, población afro, indígena, LGTBI+Q, con discapacidad y migrantes.
El 26 de noviembre se realizará el cine concierto con la proyección de Apocalipsur, de Javier Mejía, y la presentación de Estados Alterados en el teatro al aire libre Carlos Vieco. El 27 de noviembre será la clausura y premiación de las películas ganadoras en el MAMM. Para más información sobre la programación visite: miradasmedellin.com
Noviembre contará con el inicio de una nueva edición más del We Cam Fest, festival de cine inclusivo organizado por Fundación Cine Social y la Fundación CIREC. El evento busca ser una plataforma de creación de contenidos realizados por y con personas con discapacidad o sobre la temática.
La programación del We Cam Fest iniciará el próximo 24 de noviembre y culminará el 10 de diciembre con formato híbrido (presencial y digital).
Este festival tiene como foco principal el derecho al acceso de la cultura por parte de las personas con discapacidad y su idónea representatividad en el cine. En este sentido, el evento es pionero en Latinoamérica por su metodología que forma, produce y exhibe contenidos cinematográficos realizados por personas con discapacidad o en torno a la temática.
Como parte de las actividades previas al evento, se desarrollan procesos de alfabetización audiovisual y de formación teórico-práctica en cinematografía.
“La creación de esta red es un hito muy importante para el cine, porque nos compromete a generar nuevos espacios de inclusión en donde personas con discapacidad se sientan identificadas y puedan acceder al cine sin barreras, al igual que ser representados de manera idónea y construir una relación en donde sean también creadores de contenido fílmico desde los equipos de producción y la industria del cine internacional”, manifestó Christian Ossa, director de la Fundación Cine Social.
La segunda edición del We Cam Fest tendrá escenarios presenciales en Bogotá, Medellín y Cali. Asimismo, se realizarán conversatorios y talleres de formación en aras de promover la accesibilidad e inclusión desde la reflexión sobre la construcción de las políticas públicas en torno a la temática.
Para este año se contará con la premier nacional del largometraje documental Mineland, un contenido que narra la historia de seis sobrevivientes de las minas antipersonales y que fue producido y grabado en el marco de la primera edición del We Cam Fest.
La roya es un hongo que ha puesto en jaque miles de hectáreas cafeteras a lo largo del país. La roya también hace parte de la causa de la migración masiva de campesinos a la ciudad y sirve como metáfora para reflexionar sobre esta problemática. La Roya, por su parte, es la segunda película que presenta el director Juan Sebastián Mesa (Los nadie).
Este 10 de noviembre la película colombiana hace su estreno en las principales salas de cine. El filme sigue la historia de Jorge, un caficultor que ve como su entorno se va desplazando de la tranquilidad y pasividad del campo al bullicio y caos de la ciudad. Él vive con el dolor de la partida del amor de su vida; la ciudad le coquetea, pero una promesa y el arraigo a su territorio lo hace resistir ante la inclemencia de la roya, que además de la plaga representa las amenazas que todo campesino colombiano enfrenta.
La película muestra la inmensidad y belleza de los paisajes del suroeste antioqueño. Al igual que con Los nadie, Mesa optó por el uso de actores naturales para el filme. «Hicimos un ‘scouting’ de un año por la región mirando los pueblos. En paralelo vimos el trabajo de Karel con Matar a Jesús de Laura Mora y creímos que era la persona idónea para la búsqueda de este personaje. Fue difícil porque este tipo de personajes en el campo están en vía de extinción, los jóvenes no quieren trabajar más el campo», señaló José Manuel Duque, productor de La Roya.
Uno de los problemas más grandes que vieron en el protagonista, que es Daniel Ortiz, fueron los rasgos citadinos que tenía en su aspecto, que también remitía al personaje de el Zarco de La vendedora de rosas. Lo segundo más complejo fue proponerle hacer una película, contratarlo y extraerlo de su realidad en el campo. «La primera que me puso problema fue la mujer. Estuvimos debatiendo eso cuatro o cinco meses y le dije que si quería que se fuera, pero yo no me podía perder esta oportunidad», expresa el actor.
A pesar de que estuvieron esperando más de cuatro meses, siempre se estuvo firme en que el actor debía ser natural. La razón principal obedecía a que por mucha preparación que tuviera un actor profesional, no alcanzaría la destreza de un caficultor en las tareas que el campo demanda. «Hay películas como esta que requiere y amerita el actor natural y vale la pena», explica Duque.
Daniel Ortiz es un joven campesino que se gana la vida cultivando café. «Mis papás me enseñaron a trabajar en el campo, así como se ve en la película, así vivo yo», dice Ortiz, que no duda en elegir la vida en el campo en contraste a la vida en la ciudad. Esto lo expresa aunque ha visto cómo varios amigos abandonan su oficio en el campo por buscar mejores oportunidades en la ciudad.
Una de los temas más impactantes de la película es narrar el campo desde la juventud en la actualidad, algo que parece imposible de hallar. La principal inquietud de Juan Sebastián Mesa para crear esta historia nace de que él nació y creció en una región cafetera, pero que la abandonó por la ciudad. De fondo está el cuestionamiento de qué hubiera pasado si se hubiera quedado en el campo. La Roya también nos enfrenta a una pedagogía en la que muchos colombianos nos jactamos de tener al país cafetero por excelencia, pero poco sabemos de su proceso de cultivo.
La película pasó por varias fases. Comenzó siendo una idea demasiado ambiciosa con las escenas, locaciones y personajes, pero en el camino tuvieron que prescindir de muchos elementos. Los realizadores tenían que comulgar con los caprichos climáticos de la zona, que no siempre les jugó a su favor.
Cortesía
«Uno como citadino tiene una idea de lo que quiere retratar del campo y cuando empieza a vivir el campo se da cuenta de que ese retrato que uno quiere está romantizado y mediado por la ciudad y se empieza a transformar. Cuando vives la dinámica de la cosecha y los trabajadores, te das cuenta de un montón de detalles que no había previsto que terminas incluyendo. Es aprender a renunciar y liberar escenas que se ven bonitas al momento de grabar, pero si no funcionan para la película se prescinde», concluye Duque.
La Roya podrá ser juzgada por los colombianos después de su estreno este jueves 10 de noviembre. «Nunca me imaginé que iba a estar acá. Mi familia está ansiosa por ver la película», señala Daniel extendiendo la invitación a los colombianos para que acudan a las salas de cine en todo Colombia.
Después de una gran acogida en el marco del Bogotá International Film Festival (BIFF), Hijos del vientoprepara su estreno en el Festival de Cine de Derechos Humanos. La película se estrenará en varias salas del país para el próximo 17 de noviembre.
María Ubilerma Sanabria, madre de Jaime Stiven Valencia, de 16 años; Doris Tejada, madre de Óscar Alexander Morales, de 26 años; Beatriz Méndez, madre de Weimar Armando Castro Méndez y tía de Edward Benjamín Rincón Méndez, ambos de 19 años; y el suboficial del Ejército Nacional de Colombia, Carlos Mora, son los protagonistas de la nueva película del director Felipe Monroy.
Durante 108 minutos, el filme sigue la historia de estas madres que lloran a sus hijos muertos, pertenecientes a la larga lista de jóvenes de zonas vulnerables, que entre 2002 y 2010 fueron secuestrados, torturados y asesinados por el Ejército Nacional, en el marco de ejecuciones extrajudiciales que se conocen como falsos positivos.
«Cuando en 2008 se destapó esto de los falsos positivos, yo me había venido a Suiza para estudiar cine, así que no tuve muy claro cuál había sido la repercusión en Colombia.Llegué a la temática por ‘Hasta la última piedra’, la película de Juan José Lozano, que cuenta en uno de sus apartes cómo los miembros de una brigada masacra una familia y a un bebé de 18 meses, pero que en una lista su nombre queda reseñado como un alto mando cabecilla de la guerrilla», señaló Felipe Monroy.
Además de su proyección en la Cinemateca de Bogotá este 17 de noviembre, la película podrá verse en el Museo de Arte Moderno de Medellín, el 18 en la Cinemateca del Caribe y el 19 en la Cinemateca Museo La Tertulia de Cali.
El Teatro Jorge Eliécer Gaitán de Bogotá fue el recinto que recibió la ceremonia de la décima edición de los Premios Macondo. Esta gala hace reconocimiento a la excelencia del cine colombiano en el último año. Amparode Simón Mesa fue el largometraje que arrasó en la ceremonia de premiación con siete estatuillas. Otros filmes destacados fueron Llanto maldito,El film justifica los medios y Entre la niebla.
Durante el evento se realizó la entrega de tres galardones especiales: el Premio del Público para Del otro lado, el Premio Macondo de Honor para el director bogotano Francisco Norden, y el Premio Macondo a los Oficios del Cine, que se concedió al fotofija caleño Eduardo “La Rata” Carvajal.
Lista de películas premiadas
Mejor largometraje de ficción: Amparo.
Mejor largometraje documental: El film justifica los medios.
Mejor dirección: Simón Mesa (Amparo)
Mejor guion: Simón Mesa (Amparo)
Mejor actriz principal: Paula Castaño (Llanto maldito)
Mejor actor principal: Jacques Toukhmanian (Sicosexual)
Mejor actriz de reparto: Diana Wiswell (Leading Ladies)
Mejor actor de reparto: Christian Ballesteros (Entre la niebla)
Mejor cortometraje: Lucía
Mejor dirección de fotografía: Juan Sarmiento (Amparo)
Mejor montaje: Jacobo del Castillo (El film justifica los medios).
Mejor música original: Llanto Maldito (Felipe Linares)
Mejor canción: La noche de la bestia (The Ritual)
Mejor sonido: Entre la niebla
Mejor dirección de arte: Amparo (Marcela Gómez)
Mejor diseño de vestuario: Amparo (Julián Grijalba)
Mejor maquillaje: Llanto maldito (Natalia Prada y Alexander Rojas)
Mejor VFX: Amparo (Sebastian Mietzner)
Mejor película iberoamericana: El silencio del topo (Guatemala)
