Este jueves Bronx Distrito Creativo fue epicentro de una pequeña muestra del Festival de Música del Pacífico Petronio Álvarez. El evento sirvió como antesala del lanzamiento oficial del festival este viernes en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.
«Nuestra cultura pacífica contagió a los bogotanos en el Bronx Distrito Creativo. La marimba, el guasá, el arrechón, el viche, la piangua y el currulao del Petronio Álvarez. Bogotá, los esperamos», señaló Jorge Iván Ospina, alcalde de Cali.
Desde las 4 de la tarde los capitalinos fueron testigos del festival afro más importante de la región. Las agrupaciones como Son y Sabor, La Pacifican Power, Renacer del Pacífico, Raíces Ancestrales o Romance Nortecaucano prendieron la fiesta que Rancho Aparte cerró sobre las 11 de la noche.
El @BronxDC_Bogota se viste de pacífico colombiano! Con ritmo de marimba, baile tradicional y un brindis de viche, recibimos nuevamente el Festival @PetronioCO en Bogotá.
— Claudia López Hernández (@ClaudiaLopez) July 29, 2022
Entre los momentos más memorables estuvieron la invitación de La Pacifican Power a vivir sabroso. También Rancho Aparte con una bandera alusiva a la Comisión de la Verdad con el mensaje: «Si hay verdad, hay paz».
Colombia continúa de luto con la muerte de Darío Gómez, el rey del despecho. Quizá la canción clave para ese bautizo como el rey de la música popular fue Nadie es eterno, cuya letra nació en un cementerio.
«Se da cuenta que nadie es eterno», fue la frase que Luis Gallego le habría dicho a Darío Gómez en 1989 según recoge una nota de El Tiempo de 1999. Estas palabras se las habría dicho cuando ambos, borrachos, regresaban del cementerio de San Jerónimo (Antioquia), municipio en el que nació el artistas.
Meses después, Luis Gallego murió de un ataque de asma, y Darío Gómez le prometió hacer una canción con la famosa frase que le quedó de recuerdo cuando ambos venían borrachos.
Tiempo después dicho cementerio fue derrumbado y desalojado para hacer un proyecto de viviendas que se mantiene. La anécdota será contada en primera mano por el propio Darío Gómez en Coronel en su laberinto, nuevo programa de Señal Colombia.
Toda Colombia recuerda a Darío Gómez celebrando su música. El 26 de julio será una fecha marcada en la historia por la partida terrenal del padre de una generación, que hoy recoge los frutos que el rey del despecho plantó a comienzos de los 90.
Velorio y entierro
Según informóDaniel Quintero Calle -alcalde de Medellín- la gente podrá darle su último adiós a Darío Gómez en el Coliseo de Voleibol Yesid Santos hasta el sábado a las 11 de la mañana. El entierro será el mismo sábado en Jardines de Paz con un sepelio privado para los más allegados.
Le daremos un adiós a Dario Gómez en el coliseo de voleibol Yesid Santos. El cuerpo estará desde hoy a las 9:00 p. m. hasta el sábado a las 11:00 a. m.
Aunque por el Festival de Música Petronio Álvarez ya han pasado agrupaciones internacionales como Bonga Kuenda de Angola o Carlinhos Brown de Brasil, el evento contará con un país invitado por primera vez en 26 ediciones.
Se trata del vecino Brasil, país con el que la población afro de Colombia tiene fuertes lazos , ya que Salvador de Bahía y Cali son las dos ciudades con más población afro de América Latina.
«Brasil comienza con este ejercicio de hermanamiento y en el marco de esa invitación tendremos a Ilê Aiyê, el primer bloque afro del Carnaval de Bahía, con casi 50 años de tradición de música, tambores y ritualidad en Salvador de Bahía, que veremos en agosto en el escenario de nuestro Festival de Música del Pacífico Petronio Álvarez en Cali», señaló Ronald Mayorga, secretario de Cultura de Cali.
Brasil, la tierra de la samba, el candomblé y el acarajé, será nuestro primer país invitado.🔥💃🏽
Prepárate para vivir una gran gran oferta cultural, artística y gastronómica que abrazará a la diáspora africana del mundo en la Casa Grande del Pacífico.🙌🏽@IBRACOCultura@Rmayorgapic.twitter.com/sObuELWte5
Ilê Aiyê, expresión yuruba que significa «la casa de todos», es un bloque afro radicado en el barrio Curuzú de Salvador de Bahía y lo componen al menos 3 mil personas. Al Petronio Álvarez llegará este bloque acompañado por Paola Amado, escritora y columnista, la chef Jurasic Costa y la batucada de Ibraco con 20 percusionistas.
Soy Emilia, personaje artístico creado por la bajista y compositora Juanita Carvajal, regresó con Agridulce, su segundo álbum de estudio. El disco estuvo precedido por Expuesta y Hecho en casa, dos EP que sirvieron como ruptura a su característica onda, que con Reconstrucción la llevaron a ser nominada a Mejor Artista Nueva en los Latin Grammy de 2020.
Tras dicha nominación, presentarse en los festivales más importantes de la región, ser una de las mujeres instrumentistas de América Latina con más proyección y con una carrera en ascenso, Soy Emilia decidió dejar de lado el electropop fiestero para darle lugar a la introspección durante un lapso.
“Con los EP quería tomar un descanso sonoro entre el primer y segundo disco porque tienen el mismo concepto. Entre el uno y el otro sucedieron muchas cosas en el mundo y en mi vida. Cuando lancé mi primer disco, a semanas se murió mi papá y mi hermana decidió irse a otro país. Ella y yo éramos como gemelas; y por otro lado, ese mismo año cerré junto a la Filarmónica los 25 años de Rock Al Parque como bajista”, dice Juanita.
La apuesta de este nuevo disco es exponer esa montaña rusa de sentimientos por los que atravesaba mientras componía. Canciones como High y Cada Noche de Agridulce fueron hechas antes de la pandemia. Sin embargo, su momento personal y el entorno en el que todos estábamos, la influenciaron para desprenderse del proyecto e irse por un estilo más calmo y tenue como pasó con los dos EP que fueron un puente de los dos álbumes.
“No me sentía con ganas de hacer música electrónica bailable como la Emilia del primer disco, quería bajarle un poco el volumen.Sentí que no era el momento para hacer tanto ruido. Nada estaba abierto y todo el mundo se sentía en una situación muy rara como para decirles ‘¡Vámonos bien High!’”, recalca la bogotana.
No es casualidad que la primera canción de Agridulce se llame High, que tras un par de segundos en silencio abre con un subidón inesperado que despierta al oyente y se desprende de manera absoluta de Expuesta, un EP en el que se abre sin muros ni máscaras ante su público.
Agridulce como palabra se compone de dos antónimos que reflejan un sentir único en el que falta algo para la satisfacción plena. El álbum refleja muy bien eso con cada una de las canciones y está pensado en plantear los contrastes de la vida a través del dolor y el amor.
“Estaba leyendo mi interior y mi alrededor. Los resultados fueron muy bonitos. Uno no todo el tiempo está mirándose para adentro y yo que escribo canciones es como un psicoanálisis. Ves hacia adentro, analizas lo que estás escribiendo y es mi proceso para escoger los nombres del disco: por medio de las canciones analizo el momento que estoy viviendo y les pongo ese nombre”, expresa Soy Emilia.
Entre Juanita Carvajal y Soy Emilia hay un desdoblamiento. Si bien a Juanita le encantan discos como Hasta la raíz de Natalia Lafourcade o Déjenme llorar de Carla Morrison, Emilia construye un universo que le apuesta al desamor con una mirada alejada del rol femenino como víctima en las relaciones amorosas.
“Cuando empecé a pensar en Emilia hice una búsqueda interna y encontré que el pop es una victimización muy fuerte de la mujer a través del amor. Y no es que nunca haya sido víctima del amor, pero no soy una persona que, si le rompen el corazón, se deprime. Al contrario, soy una persona que se va de fiesta, se destruye un poquito y después estoy bien”, explica.
Juanita cree que el resultado de la construcción de Emilia se debe a factores como que siempre vio en su madre una figura fuerte que nunca se derrumbó ante sus hijas; mientras su padre, que era un médico de profesión, era una figura más ausente por lo laboral. Además, es egresada de un colegio femenino, su primera banda estaba compuesta de mujeres y afirma: “Estuve muy alejada de esas estructuras sociales en la que el hombre está por encima o que la mujer es incapaz. No me sentí en esa victimización del pop, aunque me gusten esas canciones”.
Soy Emilia | Foto: Daniel Buitrago
Prueba de ello es Mala intención, sencillo de su primer EP, que narra la manera en la que una especie de ‘femme fatale’ hiere los sentimientos de un hombre. Soy Emilia afirma que la canción “habla de una relación donde me metí con una persona y sabía que iba a salir quemada. Me llamó mucho la atención, pero en la canción es al contrario.Volteé la historia como si las mujeres hicieran daño. Lo que quiero decir con Emilia es que no somos mosquitas muertas: las mujeres también proponen y hacemos daño”.
En cuanto a lo musical, con Agridulce hay una mezcla entre lo que Juanita denomina “new wave colombiano” con Cero39, Mitú, Bomba Estéreo, Moügli y Cerrero, unido al electropop latinoamericano. Las canciones, más allá de la parte electrónica, están pensadas para la puesta en escena de los espectáculos en directo con los instrumentos análogos.
De hecho, Soy Emilia presentó por primera vez su disco en vivo el pasado 7 de julio en Mad Radio junto a Paula Pera & El fin de los tiempos y Chonta Dj. “Cuando iba a hacer el lanzamiento de mi disco me lo imaginé más como Emilia, que es más festivalera, fiestera, de viernes en la noche… Y quería hacer un evento femenino. Abrió Paula, que estuvo todo hermoso con su banda.Es muy raro que haya eventos de mujeres producidos por mujeres”, expresa.
Aunque Juanita piensa que la canción más arriesgada del disco es Sugar Daddy, ya que se desprende un poco de la propuesta que quiere consolidar, esta canción es la que más se acerca a lo ‘mainstream’ con la base urbana en el beat. Es una de las dos del álbum que no produce Julián Salazar. El mexicano BrunOG es el encargado de la producción en este caso.
“La compuse antes de la pandemia y cuando la llevé a mi oficina de management a todos se le abrieron los ojos con los signos de dólares. Es una canción muy pegajosa, dudé de sacarla conmigo.Tengo un baúl de canciones, escribo para algunos artistas y las ofrezco. Tuve la duda de llamar a Karol G y decirle ‘Tengo una canción para ti’ o quedármela”, señala.
Si bien hay un imaginario implantado del anglicismo de “sugar daddy”, el trasfondo de la canción apunta al contraste a esa idea. Soy Emilia quería manifestarse en contra el modelo de vida transaccional que se propone desde lo urbano en el ‘mainstream’, en el que el “flex” y el poseer es lo más importante para destacar. Ella explica que “jamás he tenido una relación en la que alguien diga que es dueño mío desde una parte económica porque soy muy independiente. Quería escribir la canción del otro lado: aunque me diste el apartamento, te veía una vez al mes, o menos. No todo es económico en la vida. La cancióntiene un nombre complejo, pero habla de que todo lo que me diste, lo boté; porque aunque quise estar contigo, nunca estuviste ahí”.
https://www.youtube.com/watch?v=uuV8GyigWLw
Tres años pasaron de Reconstrucción y ese disco le valió un reconocimiento precoz en los Latin Grammy. Soy Emilia como proyecto lleva a cuestas la experiencia de una Juanita Carvarjal que comenzó con Esteman una década atrás y conoce las entrañas de la industria musical. Por eso es consciente de lo que falta por recorrer para ganarse un lugar más privilegiado en la escena colombiana desde una propuesta alternativa.
“Yo estudié Jazz. El jazz fue una imposición de los maestros de música que decían que para ser bueno uno tiene que tocar jazz. A mí se me metió ese cuento, pero si soy sincera conmigo, mis discos eran otra cosa. Si uno no hace la música sincera, es complicado. Sé que es una onda rara y diferente, pero siempre existe el nicho y logras conectar con personas”, expresa.
Lo que se viene después de este nuevo álbum son un puñado de presentaciones en Colombia, España y México. Ya tiene planeado seguir lanzando música nueva en el remate del año y otro EP más para el año entrante. Agridulce es la consolidación del proyecto de Soy Emilia, la ratificación de lo planteado con Reconstrucción con una carga pesada de desamor, intrepidez y rudeza.
Este domingo las redes sociales explotaron con el video del actor Anthony Hopkins bailando La pollera colorá. El actor de El Padre o Los dos papas se movió al ritmo de una cumbia cuyo compositor recientemente cumplió 100 años, Juan Madera.
La historia de cómo se concibió La pollera colorá inicia a comienzos de los 60. Juan Madera, clarinetista de Sincé (Sucre) era parte de un conjunto de Pedro Salcedo ubicuo de Barrancabermeja. Según reportó Radio Nacional de Colombia, el grupo «tocaba especialmente en el llamado Grill Hawai, era común ver a las mujeres llevando falda roja». De ahí y de una mujer llamada Mirna Pineda se inspira la pieza que junto a Colombia tierra querida ha sido el éxito más representativo del país en el exterior.
Si bien la primera grabación data en 1962 por parte de la orquesta de Pedro Salcedo, a Juan Madera es quien lo adjudicaron como compositor de la canción que ha viralizado el actor británico este domingo.
La canción únicamente era instrumental hasta que Wilson Choperena del Plato (Magdalena) compuso la letra con el beneplácito de Madera.
El trasfondo de cómo esta canción se convirtió en un himno alterno de Colombia tiene un pedazo crucial de distintas zonas de Colombia. La canción fue compuesta en Barrancabermeja (Santander), donde muchos artistas llegaron para aprovechar el auge cultural motivado por la fiebre del petróleo posterior a los años 50. Quien compuso la melodía -Juan Madera- es de Sucre y Wilson Choperena que hizo la letra de Magdalena. Si bien la canción fue grabada por el sello Tropical de Barranquilla, estos tuvieron que acudir a los estudios de Discos Fuentes en Medellín para poder imprimir en vinilo.
La canción ha sido interpretada por artistas de la talla de Lucho Bermúdez, Guayacán Orquesta o la Sonora Ponceña. Sin embargo, una de las versiones que más se recuerda es la de Bart Simpson cantándola en el episodio 10 de la temporada 3 de Los Simpson para el doblaje latino.
Un gran cierre tuvo el 48° Festival Folclórico Colombiano, que reunió a miles de personas en Ibagué en torno al amor por las tradiciones autóctonas.
Ibaguereños y turistas disfrutaron del gran desfile nacional e internacional del folclor, que reunió más de 144 carrozas y 1.300 artistas.
Igualmente, desde el mediodía, los asistentes al festival disfrutaron del gran concierto de cierre en el Parque Manuel Murillo Toro, donde después se eligió a la nueva reina del folclor nacional: la Señorita Meta, María Camila Torres .
«Estoy muy emocionada de llevarle una corona más a mi departamento, tierra del joropo, y con eso mismo hicimos vibrar a Ibagué»,afirmó la nueva embajadora del folclor de Colombia.
De esta manera miles de personas dieron cierre con éxito del 48° Festival Folclórico Colombiano durante este puente de festivo en Ibagué.
«El gueto es el negocio», es el lema con el que J Balvin y Ryan Castro presentaron Nivel de perreo, el sencillo que promete sonar en las calles y discotecas continuamente por lo que resta del año.
Los antioqueños hicieron este lanzamiento en todas las plataformas con videoclip dirigido por Patricia Alfonso y Chris Cabrera.
«Quiero que todo el mundo me dé mucho amor en este proyecto.Un proyecto desde Colombia para el mundo para que la bailen y la disfruten todos los djs y todas las discotecas a romper», señaló Ryan Castro.
La canción cuenta con la producción se Sky Rompiendo y es por ahora la primera colaboración que tienen J Balvin y Ryan Castro.
Este viernes María Isabel Saavedra, Vicky Echeverri y Diana Serna unieron sus tres voces para construir un homenaje a la mujer del Valle del Cauca a ritmo de bambuco por medio de la canciónMujeres de Caña Dulce.
Más allá de una canción o del álbum que es homónimo, Mujeres de Caña Dulce es un proyecto que busca resaltar la labor de las mujeres del Valle del Cauca en las artes y ciencias por los últimos 100 años.
María Isabel Saavedra y Vicky Echeverri fueron las compositoras de la canción y Vicky encabezó la producción. Isa Zapata fue la encargada de la portada y la dirección del videoclip fue de Valentina Arenas.
La canción se presentará en el marco del Festival del Mono Nuñez – 2022 en Ginebra, Valle del Cauca.
Superlitio superó los 25 años de vigencia y su último disco se titula Visiones del futuro, una metáfora que, aunque tiene distintos significados, deja claro que la banda está lejos de su ocaso y sigue cumpliendo la tarea de descubrir y apostar con nuevas fórmulas nutridas del pasado para proyectarse en el futuro.
Visiones del futuro es el noveno disco de la banda caleña pionera del rock colombiano. Fue el que más trabajo de producción ha demandado y tiene 12 canciones compuestas de letras y demos con hasta 15 años de antecedente. Su inspiración más notable está en David Bowie, Joy Division y Blondie.
“Muchas ideas no se desarrollaban más allá de un demo o se quedaban ahí porque no sentíamos que estábamos conectados con lo musical. Siempre que hacemos un disco todos estamos en paz con lo que sacamos. Es muy democrático y colaborativo ese proceso”, dice Pedro Rovetto, bajista de Superlitio.
Su concepción tuvo la novedad de la pandemia de por medio, razón por la que la banda tuvo que desacostumbrarse de los métodos usados en sus 8 álbumes anteriores. También coincidió con el estallido social que hubo en el país, sobre todo en Cali con la tragedia de decenas de muertos en esa ciudad durante el Paro Nacional.
“Estábamos por terminar el disco, encerrados en un estudio que armamos. Eso hizo que pensáramos sobre cuál era el momento para terminarlo y lanzarlo, porque la cabeza y la mente de todos estaban otras cosas, cosas que afectaron el proceso de entender el disco y cómo se fue haciendo”, recalcó Pedro al respecto.
Después de la agitación política, Superlitio retomó la actividad y Visiones del futuro fue tomando forma. Posiblemente la pandemia les dio espacio para revisitar demos y grabaciones viejas para reinterpretarlas y darles cierta frescura. De dicho experimento salió un proyecto cuya columna es el rock y tiene extensiones de new wave, pop y electrónica.
Durante más de dos décadas, los integrantes de la banda confiesan que el proceso creativo es muy democrático y nada sale sin el consentimiento unánime de todos. La duda que queda en el aire es lo que los llevó a retomar canciones o ideas, que por una u otra razón desecharon en el pasado.
“La decisión de visitar todo eso es que con el tiempo lo podés oír y la distancia te da una perspectiva más objetiva de que está chévere, pero tal vez en su momento no le prestamos suficiente atención o creíamos que había cosas más fuertes en el disco que eso”, expresa Pedro, mientras que rápidamente Pipe Bravo -vocalista de la banda-retroalimenta: “¿Sabes también qué? A veces uno hace canciones que se le parecen a otras dentro del disco y le das la oportunidad a otras para darle variedad. No es que pensáramos que la canción era mala, sino que se parecía a otra del disco”.
El antecedente más lejano del disco se encuentra con Texas, un demo que grabaron después de la presentación en el South by Southwest de dicho estado. “Cambiamos partes de las guitarras, de la forma de la canción, la letra, y nos detonó un impulso de creatividad que fue clave para arrancar el disco; de mirar atrás, abrir el archivo y ver qué encontramos”, explica Pedro.
Veneno, Dos, Late por Vosy Fallé fueron canciones hechas en la etapa nueva desprendiéndose del archivo. “Fallé fue la última que terminamos porque siempre estaba la música y el coro, pero al verso le estábamos dando vueltas con la forma hasta que Pipe se sentó y buscó la forma de equilibrar esos mundos para hacerlo. De hecho, íbamos a terminar el disco sin la canción”, dice Pedro.
En esta labor arqueológica, el trabajo de producción demandó más desgaste debido a la variedad de técnicas de grabación y espacios acústicos distintos. A pesar de eso, el álbum tiene la característica de ser el primero en Colombia que se grabó con el formato de Dolby Atmos, una experiencia de sonido tridimensional que estará disponible para los usuarios de Apple Music.
Superlitio siempre tuvo una huella de su recorrido. Después de 25 años apostándole a distintas propuestas regresan para dejar su manifiesto para que quede como testimonio. “Estábamos viendo el momento más adelante de hacerlo, una visión al futuro”, finaliza Pedro.
Desde el jueves la Orquesta Filarmónica de Bogotá tendrá una nutrida oferta con muchos eventos de entrada libre a disposición del público capitalino. A continuación dejamos la hora, fecha y lugar de cada uno de los espectáculos.
Programación
24 de junio
Director Invitado: Emil Tabakov en Iglesia Nuestra Señora del Consuelo a las 3:00 PM con entrada libre.
Director: Camilo Rojas en el Jardín Botánico José Celestino Mutis a las 6:30 PM con entrada libre.
Director Invitado: Emil Tabakov en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo a las 5:00 PM con entradas en TuBoleta.com y taquillas del teatro.
Orquesta Filarmónica de Mujeres en el Teatro Colsubsidio a las 7:30 PM con entradas en TuBoleta.com y taquillas del teatro.
26 de junio
Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara en el Museo de Arte Moderno de Bogotá con Cristian Guerrero de solista (flauta) dirigido por Leonardo Federico Hoyos a las 11:00 AM con entrada libre.
Este jueves se estrenó el videoclip de Montaña solitaria, sencillo que hace parte de Cumbiana II, secuela del álbum homónimo en el que Carlos Vives explora distintas facetas de la cumbia. Para esta ocasión se unió a ChocQuibTown y le rinden homenaje a la Sierra Nevada de Santa Marta.
La lírica de la canción apunta a la conciencia sobre invitar a cuidar del medio ambiente, de hecho el título de la canción es una metáfora del cantante samario con este lugar icónico de Santa Marta.
El videoclip fue dirigido entre Miami (Estados Unidos) y Santa Marta por Sergio Rodríguez y Carlos Valencia. La producción estuvo a cargo de Mestiza Films.
Montaña solitaria es la tercera colaboración entre Carlos Vives y ChocQuibTown después de El mar de tus ojos y Ay Dios.
Inconmovible Deluxe, es el primer álbum de Katty Camargo, cantautora profética y fundadora del sello Almond Tree Music. El disco es un compendio de canciones que comunican su vida y experiencia personal con Dios.
Está dirigido a todos los creyentes cristianos de habla hispana. Cada canción está basada en la oración de El Padre Nuestro.
El nombre “Inconmovible” viene de Hebreos 12:26-27 donde dice que Dios conmoverá este mundo tal y como es, y lo transformará para que permanezca lo inconmovible, es decir su Reino.
Katty Camargo interpretará el próximo 4 de junio de 2022 a las 6 de la tarde, las canciones de Inconmovible Deluxe en un concierto virtual
Kiko Villamizar logró hacer ruido en la industria musical tras ganar el premio a mejor videoclip del Festival de Cine de Lost River con Todo el mundo, sencillo que hace parte de su álbum homónimo.
Tras más de 30 años como residente en Austin, Texas, su música ha trascendido culturas y territorios. Sus trabajos tienen como base el folclor colombiano, pero le incluye un toque psicodelíco con la guitarra eléctrica, que después de su voz, es la protagonista más constante en sus trabajos.
Francisco Luis Villamizar es su nombre de pila. «Kiko es como me llama mi mamá de bebé porque creo que era un bebé resabiado». A los 4 años tenía claro que su camino iba a ser la música, pues su familia tiene una largo historial artístico con el folclor.
«Era como un complejo de Edipo porque a mi mamá le gustaba Rafael y Juan Gabriel. Fue tratar de enamorar a mi mamá porque la quiero mucho», aclara Villamizar.
Aunque nació en Estados Unidos, desde muy pequeño lo trajeron a Antioquia. El artista ofreció algunos minutos a Confidencial Colombia para hablar de su discoTodo el mundo, de sus ancestros indígenas y la influencia afro en sus creaciones. A continuación lo que nos dijo.
¿Cómo percibió en su vida los cambios constantes de país entre Colombia y Estados Unidos?
Yo termino siendo muy bicultural, no solo bilingüe, sino con dos cerebros distintos. Nací en Miami y me llevaron al año a Colombia, luego allá y después acá. Donde más estuve en Colombia en el corregimiento de Belén (Antioquia).
¿Cómo recuerda su niñez en ambos países?
Mi niñez fue relativamente tranquila para lo que era Medellín en ese tiempo. Mi casa era en el campo. Había violencia en todo lado. En Estados Unidos era otra realidad, no tan tranquila, pero sí más urbana en un barrio donde prolifera la gente latina y afro.
Su disco de Todo el mundo se nutre de propuestas musicales que trasciende a diversas culturas ¿Cómo fue el proceso creativo del proyecto?
Mucha gente hace fusiones y siento que algunas fusiones son naturales y otras son forzadas. La música que me parece buena es porque le creo a la persona y me parece auténtico. Yo soy mezcla de estas culturas, no es una cosa que cogí prestada sin dar algún respeto porque en Colombia viví en el campo y mis tíos tocaban folclor, en USA estaba en el mundo del rap y dancehall y viví en Carolina del Sur en un pueblo en el que se oía puro góspel y el soul. Estudié jazz en la universidad porque quería herramientas, pero no una manera europea de pensar en la música, ni que la partitura me dijera cuál sentimiento tener. Con el jazz pude expresar mi sentimiento con buenas herramientas. Con eso después quise hacer algo para organizar a la gente, pero organizar a la gente en temas sociales es muy difícil porque la gente nunca está de acuerdo así sea con cosas bonitas.
De lo que observo en este país y en general, la gente latina con lo que más se organiza es con la cumbia. Es muy sencillo porque todo mundo sabe bailar, estar en armonía y por ahí se puede contar la historia de Palenque, el origen de la cumbia y la colonización. Quiero decir estas cosas que parecen pesadas de una manera leve y que la gente pase rico y se reúna.
Pero en su carrera también hay algunos mensajes de matiz político como el de la preservación del agua con varias canciones.
Los ancestros indígenas me han enseñado que debemos conservar el agua para las siguientes 7 generaciones, cada persona debe hacerlo. Defender el agua no es político es preservarse a uno mismo.
¿La inclusión de la guitarra eléctrica en su arte se debe a esa parte cultural suya que lo ciñe a los Estados Unidos?
La psicodelia que le meto no es para imitar a ninguna estrella del rock psicodélico, sino que con la guitarra intento reproducir los sonidos del bosque de donde surge mi familia.
El estilo pentatónico que toco es de blues porque me trama mucho y es la historia del palenquero gringo con los cantos espirituales (spirituals), que eran sincretismo de hacer pensar que hacían un canto cristiano, pero realmente es un plan de escape.
En la canción de Todo el mundo usted le dedica un apartado a los migrantes ¿Qué lo inspiró específicamente?
Me inspiró que enjaularan bebés y los separaran de una manera pública. Lo hacían hace rato. La gente que están encarcelando son nativoamericanos, hondureños y mexicanos que son la mayoría. Es irónico que el europeo que llegó hace poquito dirija eso. El norte exprime mucho al sur y agiliza los problemas de migración. Resulta que la familia mía cultivaba café, después de la firma de ciertos tratados ese café no lo podíamos vender porque no teníamos 3 mil palos.
¿Ya trabaja en el concepto de algún proyecto en camino?
Ya tengo casi todo el próximo álbum escrito. He grabado un par de cosas. Mis discos no son una ceremonia, pero hago la simbología y mis canciones son un rezo. Mi primer disco se llamó Remolacha y era tierra, el segundo Aguas Frías y era agua, Todo el mundo era viento y el siguiente será fuego.
Néstor Martínez tenía 10 meses cuando estuvo por primera vez en los Estados Unidos. Su familia se desplazó desde Medellín a Noteamérica en la época en la que más hubo hostilidad con la guerra contra el narcotráfico. Ahora busca materializar su sueño con la música.
Sus referentes de infancia son Julio Jaramillo y Marc Anthony. «Me conecté con Marc. Escuchar su segundo álbum fue una influencia tremenda.Me llamó la atención un hombre tan adulto que fuera tan sentimental y me inspiró a ser vulnerable en su arte», señala el Martínez.
Sin embargo, siempre aclara que su modelo siempre fue mi madre. Ella tuvo que ser madre cabeza de hogar en un país extranjero después de la separación que tuvo con el papá de Néstor. Es entonces cuando la música termina salvándolo en la preadolescencia.
«Cantaba, pero no quería que nadie supiera, porque no quería recibir críticas porque me iba a destrozar. No me quería exponer. Mi hermano hacía teatro, él me inspiró a hacer teatro para quitarme ese miedo. Cuando hice mi primera presentación sentí una conexión con Dios y supe que la música iba a ser el vehículo de mis mensajes que puedan ayudar a la gente», recalca el antioqueño.
Después de atravesar situaciones difíciles como mudarse más de 18 veces y algunos desalojos, ahora ve en la música su único norte para sobresalir con una propuesta que evoca el pop urbano con el toque romántico.
Luego de una década en el mundo del entretenimiento como modelo, presentador y actor en comerciales se metió de lleno en la música debutando con su sencillo Fuego. Cada vezfue su más reciente lanzamiento y está a la expectativa de estrenar un EP.
Fonseca celebra 20 años de carrera artística con Viajante, su noveno proyecto que incluye 10 canciones y con el que espera seguir dejando huella como uno de los compositores más notables de su generación.
El nombre se deriva de una definición del periodista David Remartínez en la que hace una diferenciación entre el viajero, el turista y el viajante. «Viajante se traslada íntegro, se transporta a donde sea tal y como es. El viajante regresa como se fue: siendo exactamente el mismo».
Este proyecto comenzó cuando en un momento con mucha esperanza para muchos, ante de que la pandemia aplacara ese sentimiento y con el confinamiento nos volviera más introspectivos. Tanto así que Cartagena -con un tono más parrandero- fue uno de los primeros sencillos, y uno de los pocos que quedaron de la era pre-pandemia.
Al menos siete canciones se hicieron luego de que el COVID-19 nos mostró cuán frágiles somos como humanidad.
Horas antes de partir para Valledupar al Festival de la Leyenda Vallenata, Fonseca cuenta que mientras hacía el proceso de composición su cerebro comenzó a rescatar recuerdos que hacen parte de la composición final como Besos en la frente, de las canciones más personales que tiene.
Sin aspavientos, Fonseca aclara que Viajante es su mejor trabajo a la fecha, además le imprimió un nivel de rigor al detalle que llegó a terminar de pulir cosas horas antes de que se estrenara.
Como Viajantees la celebración de dos décadas de carrera, el artista bogotano demuestra que aún puede ofrecer mucho más y no pierde esa hambre que lo dio a conocer 20 años atrás.
«Siempre he dicho -en el buen sentido de la palabra- que soy un compositor egoísta. Para mí lo primero que tiene que pasar cuando escribo una canción es que de verdad me mueva la fibra. En siempre buscar ser muy honesto con lo que uno canta es cuando después vas a lograr conectar con más personas y que alguien se sienta identificado con lo que haces», señala Fonseca.
Viajante cuenta con una paleta de sonora variada que incluye colaboraciones de artistas de diversos géneros como Silvestre Dangond, Greeicy, Cali y El Dandee, Matisse y Cimafunk. Desde el pasado 27 de abril está disponible en todas las plataformas musicales.
