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Etiqueta: Teatro

María Eugenia Penagos, la mujer detrás del Círculo Colombiano de Artistas

La reconocida actriz y directora del Círculo Colombiano de Artistas, María Eugenia Penagos, en entrevista para Confidencial Colombia nos confesó sus luchas, lagrimas y alegrías en el gran reto de crear y mantener un gremio artístico en un país donde el arte no es valorado como debe ser.

¿Por qué está triste María Eugenia?

 

María Eugenia: Los teatros estamos en la lucha por el Impuesto Predial que es muy elevado para nosotros porque nos tienen como comerciales, yo pensaba y muchos pensábamos que estábamos a paz y salvo porque el año pasado hicimos un esfuerzo grande para ganarnos una exención, resulta que debemos 32 millones de pesos que tenemos que pagar antes de diciembre. Sí me enloquecí, claro y dice uno Dios mío, pero es que a punta de teatro no se puede.

Pero comercial, cuál comercial en Catastro nos preguntaban, ¿no será que ustedes venden camisetas?, no, no vendemos camisetas, ¿será que venden luz en el teatro?, no vendemos luz del teatro. ¿Será que de pronto tienen un negocio?, pero cuál negocio, si tuviéramos negocio, hombre, no estaríamos dedicados al arte. Salí quebrantada, decir bueno y esto con que se come, dígame cómo se consiguen 32 millones a punta de teatro. Cuando te encuentras de frente con un impuesto predial y unos intereses que son de agiotista tú te enloqueces, pero no, seguimos adelante.

¿Cómo les fue con la economía naranja?

María Eugenia: Eso es lo más salvaje que tú te puedas imaginar, porque tú tienes que hacer un proyecto, lo presentas si te lo aprueban lo cuelgas a ver si aparece un empresario que quiera patrocinar, entonces tú dices bueno allí dormirá el sueño de los justos hasta ver a qué empresario le puede gustar el proyecto. Igual lo hago y lo pongo en mi página e invito a los empresarios a que miren a ver si les interesa claro, y tienes que pagar póliza, tienes que hacer un súper proyecto con un asesor y todo eso y resulta que es para colgarlo, entonces no, eso le puede servir a Movistar Arena empresas así, porque pues a las empresas grandes les interesa los negocios grandes, pero a uno lo ven como tan chiquito.

¿Cómo surgió el Circulo Colombino de Artistas?

María Eugenia: En 1.957 yo no estaba, estaban otros artistas entre ellos estaba Bernardo Romero Lozano, como empezaban la televisión decidieron que para luchar por los derechos se necesitaba un sindicato por el estilo de lo que tenían en México que era ‘La Banda’ que todavía existe por supuesto, entonces crearon el Círculo Colombiano de Artistas, para empezar a fijar tarifas, para empezar a manifestarse, a decir bueno queremos que este oficio se reglamente queremos que nos paguen lo justo, queremos que las grabaciones sean así y  en fin. Una lucha que empezó hace muchísimos años y que todavía continuamos, logramos un acuerdo un pacto Cica-Asomedios sobre tarifas, eso fue en 1.987 que todavía está vigente.

Hemos trabajado en defensa también de los artistas mayores por la carencia de trabajo, por las necesidades que han atravesado durante toda la vida, porque llega un momento de la vida en que, pues son los más abandonados porque los productores jefes de casting, dicen que las canas y las arrugas no venden entonces van desechando a la gente.

¿Han trabajado de la mano del Gobierno Nacional?

Continuamente hay que trabajar en función de que se cumplan las cosas, de ver cómo también con el Gobierno Distrital y Gobierno Nacional, conquistamos muchas cosas que se necesitan para que el arte funcione, para que podamos desarrollar nuestro trabajo, porque estamos en un país donde el arte y la cultura no se le ha dado el movimiento que requiere, qué significa eso, que el ciudadano no tiene en  su canasta familiar para ir a un teatro, cómo ir a un espectáculo, cómo prepararse, también porque las electivas son importantes en la vida de la gente y mucho más en esos tiempos, es resiliencia el arte es sanador. Trabajamos aquí un taller de inclusión con mucha gente que ni siquiera puede pagar, nos toca a nosotros ver cómo hacemos para apoyarlos porque es formación para los ciudadanos a base de arte a base de sanación a base de valores, entonces el Círculo sigue trabajando.

¿Qué legado dejan a los artistas?

María Eugenia: En 1989 creamos la Sociedad de Gestión de Derechos Intelectuales que se llama Actores Sociedad Colombiana de Gestión, es la que se encarga de hacer los recaudos correspondientes a la ley 1403 que fue una ley que yo trabajé durante muchos años, y que concede a los artistas intérpretes del audiovisual, el derecho de remuneración por comunicación pública, ese fue un legado que  dejé.

Aparte de eso estamos trabajando desde hace muchos años en lo que es llamado Estampilla Procultura que hoy en día se convirtió en los Beneficios Especiales Periódicos (BEPS), mediante la cual muchos artistas están ya recibiendo una mensualidad que es vitalicia.

¿Qué formación imparten?

María Eugenia: Tenemos un teatro hermoso abierto para los artistas porque tenemos una política especial de grupos adoptados, o sea, aquellos grupos de teatro que montan una obra de teatro y no tienen donde presentarse. Aquí tenemos las puertas abiertas para que traigan su obra, hablamos con ellos les ayudamos en toda la gestión en la divulgación con nuestra plataforma con todo.

Tenemos también un taller maravilloso para niños, niñas y jóvenes que le hemos dado mucho más vuelo ahora pospandemia o durante la pandemia, por ese trabajo de resiliencia que hay que hacer cuando los hogares se vieron convertidos en aulas escolares y en sitios de trabajo  y todos pasamos por la angustia, el dolor, la tristeza, la desesperación, la carencia de espacio, porque estábamos confinados, entonces estamos trabajando muy duro en eso para  lograr una recuperación de esos ciudadanos.

Tenemos temporadas permanentes de teatro durante todo el año en este momento ya somos sala concertada con IDARTES, mediante un proyecto que presentamos y que hay que presentarlo cada año, es un trabajo muy fuerte, muy intenso, muy mal agradecido económicamente.

¿Cuántos miembros tienen el Círculo Colombiano de Artistas y qué otros aportes le dejan al sector artístico?

María Eugenia: Somos 325 miembros, quiero destacar que  el teatro lo hemos hecho con el día a día, además por que participamos en un proyecto en la Ley de Espectáculos Públicos fuimos ganadores, pudimos dotarlo con las mejores luces, sonido y acústica creo que eso es importante destacarlo, porque esto es una ley que existe y que las convocatorias salen a través de la Secretaría de Cultura de Recreación y Deportes, entonces sí es importante saberlo porque muchos de los teatros hemos podido salir adelante de esa manera.

Tenemos un día a día muy muy difícil, pero el propósito siempre es pensar que los artistas desarrollamos un trabajo social, que la ciudadanía necesita de nosotros y los otros compañeros también necesitan de nosotros, o sea, eso aquí nos llevaría si eso fuera viable en este país a una unión, una unión muy difícil, la unidad en Colombia tú sabes que es muy complicada sobre todo por el tema de la polarización en todo, pero la lucha permanece es hacía eso, que la gente se interese, que los artistas se interesen, que haya un sentido de pertenencia porque lamentablemente yo tengo un dicho: “aquí trabajamos por los artistas, para los artistas, a pesar de los artistas”.

Entonces eso impide que la fe decaiga eso te lleva a que en cada momento tú digas, no, nada seguimos adelante, mire de esto no nos baja nadie. Por eso es que hemos podido seguir adelante, por eso estamos en esta sede desde 1987 habiéndola pagado habiendo la sacado adelante, entonces ni siquiera un impuesto predial nos puede bloquear la salida.

¿Cómo le ha ido al gremio laboralmente con las productoras como Disney, Amazón y Netflix?

María Eugenia: No nos ha ido, es un tema muy difícil que todavía estamos trabajando y donde te digo se necesita la unión porque a veces vienen a grabar y no sabes dónde están y los artistas que van no dicen nada, porque dice a mí que me paguen y punto, o sea, es que esa vaina siempre ha existido de que “queremos que luchen por nosotros”, y cuando eso se presenta dice: «Pero no tanto, déjenme que yo haga mis propias cosas», entonces ahí es donde te digo yo: qué falta unidad.

Estamos aquí luchando, trabajando, somos muy poquitos, porque la pandemia nos dio muy duro, bastante duro, con las puertas cerradas año casi dos años, estamos aquí reinventándonos todos los días haciendo cosas, todos los días divulgando, todos los días tratando de salir adelante para poder cubrir las deudas producidas por la pandemia, y al mismo tiempo a hacer los montajes teatrales, los montajes musicales a seguir adelante con los talleres atender a la ciudadanía, no paramos.

El Teatro El Ensueño invita a vivir un recorrido tras bambalinas

El domingo 10 de julio los habitantes de Bogotá tendrán la oportunidad de vivir una aventura por los pasillos del Teatro El Ensueño,  la tras escena y sus fantasmas, la tramoya, el escenario y su magia, las luces y sus ciencia, así como el secreto de la acústica. Será un recorrido que permitirá a los visitantes conocer cada uno de los hombres, mujeres, ciencia e ideas detrás de los montajes. Además, habrá una muestra teatral sorpresa.

De esta manera, se realizará una visita guiada de 50 minutos en cuatro espacios con temáticas diferentes: Historia del Teatro El Ensueño, Mecánica y magia teatral, El público tiene el escenario y El salón de los guardianes del Teatro. Serán dos recorridos, uno a las 11:00 a.m. y el segundo a las 3:00 p.m., con un aforo, cada uno, de 30 personas.

 

‘Una noche para siempre: Las Manuelas’, la obra que reivindica a Manuela Sáenz

Después de 7 años sin interpretar un nuevo personaje en el teatro, Alejandra Borrero regresa con Una noche para siempre: Las Manuelas, obra que centra en la reivindicación de Manuela Sáenz como heroína de la Independencia y de Jonatás, su compañera.

Esta obra que se estrena en el Teatro Arlequín de Casa E Borrero cuenta con la codirección de la propia Alejandra Borrero y Erick Rodríguez, reconocido por el papel de ‘Titano’ en la serie La Reina del Flow. Nina Caicedo, Giovanna Andrade y la actuación especial de Verónica López completan el elenco.

 

Si bien la historia suele documentar a Manuela Sáenz ceñida a la historia de Simón Bolívar, la obra le da su lugar a ella como parte fundamental de la Independencia años antes de que, incluso, conociera al libertador.

«Manuela era una mujer lectora, que hablaba varios idiomas y preparada antes de conocer a Bolívar, porque era una comisaria de guerra y recibió una condecoración, un honor que solo se lo daban a los hombres. Una mujer que tenía una vida privilegiada, que podía haber vivido con privilegios y no darse cuenta de lo que pasaba, pero optó por la libertad porque era una convicción propia, no fue la pasión por un hombre, fue la pasión por la libertad», explica Alejandra Borrero.

De hecho, hay varias inconsistencias con su historia por cuenta del poderío del General Santander tras la muerte de Simón Bolívar. «La obra es un ejemplo para las mujeres y los hombres con la importancia del rol de la mujer en la sociedad, porque la Independencia no se hubiese dado si el rol de las mujeres no hubiese sido tan importante como el que van a ver en esta obra. ¿Quién conseguía la información? las mujeres con su astucia en sus fiestas. Manuela es la libertadora del libertador porque lo salva. Es reivindicar la historia de Manuela, porque después de que Bolívar y Manuela murieron llega Santander al poder y todos los historiadores eran santandereanos, odiaban a Manuela. Todo mundo se encargó de decir la amante de Simón Bolívar, pero era una libertaria de letras antes de conocer a Simón», complementa Giovanna Andrade, que interpreta a Manuelita de joven.

@juliangmejia1 Obra: ‘Una noche para siempre: Las Manuelas’ #AlejandraBorrero #Teatro #teatro? #NinaCaicedo #TeatroColombiano #GiovannaAndrade #CasaE #Historia #ManuelitaSaenz #ManuelaSaenz #SimónBolivar #Viral #fyp #ParaTi ♬ Unstoppable – Sia

La obra es posible gracias a un planteamiento de Giovanna a Alejandra y desde hace 4 años viene gestándose. Una noche para siempre: Las Manuelas busca que cada espectador y espectadora encuentre o fortalezca a la Manuela que llevan por dentro y la saquen a relucir.

«Mi abuela Rosa desde los 4 años me contaba historias sobre Manuelita Sáenz. No me contaba sobre Blancanieves ni nada de esas princesas. Me contaba la historia real de una heroína que vivió y murió libre porque siempre luchó por esa libertad que le impedía su padre, su familia, la sociedad y todo. Soy una mujer que me caracterizo por tener la R más grande de rebelde, de no callarme, de alzar la voz cuando algo me parece injusto, y eso me ha traído problemas; pero a mí me ha dejado la satisfacción enorme de seguir mi intuición y lo que siento para poderme levantar y dormir todos los días tranquila de saber que estoy eligiendo y escribiendo mi historia», expresa Giovanna.

Para Nina Caicedo, su Manuela interna consiste en abrir puertas a niños y niñas de su natal Quibdó para que sueñen en grande y logren lo que se proponen. «Muchas niñas me dicen que quieren ser actrices y lo que les digo es que para hacerlo deben estudiar y prepararse. Si a una de chiquita le preguntaban qué quería ser cuando grande y respondía que presidenta, se le reían en la cara, pero ahora tenemos vicepresidenta negra. Debemos seguir trabajando en cambiar ese imaginario», dice Nina.

Por su parte, Alejandra Borrero es consciente que desde muy pequeña reconoció a la Manuela que llevaba adentro. «Mi mamá siempre me decía carita de angelito, qué habrás hecho. Siempre fui pícara. Cuando en el colegio me regañaban porque pasaba algo yo decía ¿Será que lo hice? y hasta me echaba la culpa. Los artistas tenemos que estar planteándonos la vida de otra manera. Como les digo, si se van a subir a este escenario tienen que vibrar, sino vayan a hacer arepas que con eso también ganan platica. El espacio del artista es un espacio de pregunta. de estar profundizando de lo que estoy sintiendo y viendo. Por eso el arte siempre retrata la sociedad», afirma Alejandra.

 

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El otro protagonismo de la historia va por cuenta de Jonatás, inseparable compañera de Manuela Sáenz, que es interpretada por Nina Caicedo. Si la historia de Manuela ha sido hegemónicamente distorsionada, la de Jonatás si acaso se conoce vagamente, y por ello es que su papel en la obra es fundamental para sacar a la luz a una mujer esclavizada que luego vive en libertad y se convierte en la amiga inseparable de Manuelita.

«Jonatás era una espía excelente. Manejaba armas perfecto, ella era una heroína grandísima, pero la gente no lo sabe. La gente solo sabe lo que hizo Manuelita, pero no sabe que lo hizo gracias a sus amigas y esclavas como JonatásAl principio no estaba muy segura de aceptar porque dije que no quería hacer personajes de esclava más. Estuve en ‘La Pola’, después unos capítulos en ‘La esclava blanca’ y dije que si volvía a hacer una esclava en mi vida profesional tengo que ser la protagonista o que sea una historia de esas bonitas como la de Jonatás, y me llegó», apunta Nina Caicedo.

Revisitar la historia en el contexto actual es crucial para el país después de la entrega del Informe Final de la Comisión de la Verdad y Una noche para siempre: Las Manuelas intenta reconstruir el imaginario colectivo del rol de la mujer en su contribución a la construcción del país. Finalmente, Alejandra Borrero concluye que «el arte y la educación van a ser las herramientas para pacificar un país. Es un medio maravilloso para romper con los estigmas y mirar de otra manera».

Una noche para siempre: Las Manuelas tendrá 11 funciones iniciando este 7 de julio y finalizando el próximo 3 de agosto. Boletería desde 34 mil en eticketablanca.com.

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Ciclo de charlas sobre Molière llega al Teatro Colón

El Teatro Colón presenta el Ciclo de Charlas Molière 400 añosSerá una serie de conversaciones presenciales entorno a la figura del dramaturgo.

Este suceso llegará a través de la Franja Descubre tu Colón,  en alianza con varias instituciones culturales y librerías de la ciudad.

 

En total son 8 charlas, un club de lectura llamado El burgués gentilhombre, junto al librero Mauricio Bautista. Los asistentes podrán hacer una lectura acompañada de la comedia en cinco actos y en prosa que estrenó Molière con su compañía el 14 de octubre de 1670, en la corte de Luis XIV en el castillo de Chambord.

La primera charla, Una biografía imaginaria de Molière’, tendrá lugar el 16 de junio en el Instituto Caro y Cuervo. Alberto Bejarano, docente y escritor, hará un recorrido por las huellas de Molière en el teatro moderno, como autor y personaje.

La entrada será gratuita y solo tendrás que inscribirte en el siguiente formulario (ver formulario).

Programación

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*Con información del Teatro Colón

**Foto: Teatro Colón

‘El bunde del agua’, la obra que nos recuerda que el Atrato se respeta ¡Carajo!

Gracias a la sentencia T-622 de 2016, la Corte Constitucional declaró al Río Atrato como sujeto de derechos con el objetivo de protegerlo del flagelo de la minería ilegal que tanto lo azota. Esta decisión se tomó teniendo en cuenta los derechos fundamentales de las comunidades étnicas que conviven entorno del río y sus afluentes.

Este 7 de abril se estrenó El Bunde del Agua en el Teatro El Ensueño. Esta obra colombo-francesa hace parte de la programación del 17° FITB (Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá).

 

Precisamente, el argumento escrito por Sonia Ristic es una celebración de dicha sentencia, pero también una alerta para que como ciudadanos cuidemos del agua como recurso natural.

La obra es montada por Théatre du bout du monde y el Círculo de Estudios. Uno de los directores es el dramaturgo Miguel Borrás, quien desde 2012 lleva haciendo proyectos interculturales con grupos de distintas zonas. Comenzó con países africanos colindantes con el mar mediterráneo como Túnez, Argelia, Marruecos junto a otros europeos como Francia y Grecia. El bunde del agua es su tercer proyecto. “Nos empezamos a dar cuenta de que era muy interesante hacer proyectos interculturales. En el pasado hicimos otros con el Bronx y la ayuda de Germán Jaramillo”, expresa Borrás.

El bunde del agua tiene su génesis en 2018, cuando la ong del Círculo de Estudios invitó al dramaturgo a hacer un proyecto intercultural entre jóvenes del barrio Kennedy de Quibdó y jóvenes parisinos. “Hicimos un primer taller de trabajo que hizo que me dieran ganas de hacer ese proyecto y empezamos a buscar apoyos institucionales para hacerlo porque hay que traer mucha gente. Traer 17 personas de París no es fácil”, explica el dramaturgo.

El bunde del agua, obra
El bunde del agua (Cortesía del FITB)

Las embajadas de Francia y Colombia cooperaron para que el proyecto pudiera ser posible. Fueron varias semanas de preparación y la delegación de jóvenes chocoanos tuvo la oportunidad de llevar la obra a Francia y, de paso, conocer a sus compañeros en las tablas. “Primero ellos estaban tímidos porque no nos conocían y no sabían cómo comunicarse. Luego se acostumbraron y empezaron a dialogar y estaban muy contentos de estar con nosotros”, dice Leila, una de las jóvenes actrices francesas minutos previos a uno de sus ensayos días antes del debut de la obra en el FITB.

“Tuvimos la oportunidad de compartir. Se nos hizo difícil la comunicación y cuando empezamos los ensayos de la obra interactuamos más y nos conocimos más. En Francia se nos dificultó acostumbrarnos a la comida, pero cuando estábamos bailando ellos se arrimaban y bailaban con nosotros”, señala Liliana, una de las actrices del Chocó.

Fueron dos las funciones que el grupo de franceses y colombianos presentaron en Francia con éxito absoluto, al punto de conmover al público europeo con una obra que se vale de distintos recursos narrativos para hacerse entender en español y francés. “La gente estuvo conmovida y lloraba”, cuenta Miguel.

El bunde del agua, obra
El bunde del agua (Cortesía FITB)

El hecho de que tuviera dos idiomas no fue impedimento. Durante la obra en algunas ocasiones un personaje es interpretado por un actor francés y otro colombiano. Cuando hay escenas únicamente en francés se valen del recurso de los subtítulos, así que es poco lo que finalmente se pierde el espectador mientras se introduce en esta historia.

Además, así como la música –denominado el lenguaje universal- el teatro, como todas las expresiones artísticas, estimulan los sentidos de su espectador hablándole no solamente con palabras, sino con gestos y acciones. Según Miguel Borrás “con el arte nos comunicamos de una manera global. Por ejemplo, un artista africano hace una obra pictórica y podemos entender qué quiere decir”.

El argumento de El bunde del agua se basa en dos hermanos que asediados por la injusticia social y el racismo estructural del que Chocó es víctima, abandonan su territorio para probar una suerte –que les es adversa- en Francia. Ambos cargan con el sentimiento vivo de la rivalidad fraternal, y en ese viaje a la riqueza encuentran en el camino el verdadero oro que está en sus raíces y con su gente. Si bien trata de lleno el tema ecológico, El bunde del agua también ofrece una perspectiva del problema de la migración en Europa, sin despegarse del realismo mágico una exaltación a Cien años de soledad de Gabriel García Márquez.

El bunde es una danza típica del Pacífico de Colombia. El baile es una de las expresiones humanas más sujetas a la libertad y la alegría, y en el caso de la obra es una celebración. Pero Miguel Borrás–uno de sus directores junto a Danny Suley Castro– va más allá con el trasfondo. “Es una obra muy humana y universal. Detrás de ese encuentro hay ideas universales y eso es lo que hace la magia del espectáculo. También es el homenaje a la posibilidad de que la gente se encuentre por medio del teatro, que es una fiesta, un evento grupal en el cual estamos juntos. Celebremos esta fiesta, la vida con el FITB, salir de la pandemia y poder estar juntos y compartir”, finaliza.

Después de atravesar varios minutos de más en el tráfico nocturno de una Bogotá gris y lluviosa (¿una manifestación especial del recurso natural?), varias personas disfrutaron de la primera función de El bunde del agua. La obra se presentará en el marco del FITB el 9 y 10 abril a las 7 de la noche en el Teatro el Ensueño, el único de amplia capacidad en el sur de Bogotá, ubicado en la localidad de Ciudad Bolívar. Las entradas se consiguen Tu Boleta.

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*Fotos: Cortesía FITB

 

‘Victus’, una reflexión potente sobre la reconciliación

Cuando Herman Wouk hizo el prefacio de Vientos de Guerra citaba al filósofo francés Julien Benda con una frase potente: «La paz, si es que existe alguna vez, no se basará en el miedo a la guerra, sino en el amor a la paz». Tristemente, en Colombia se habla de paz después de los acuerdos con las extintas FARC-EP, pero el miedo a la guerra está más que latente. Entre ese miedo surgió un oasis de esperanza por medio del teatro, se trata de Victus, la obra dirigida por Alejandra Borrero que pasó por el FITB (Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá).

Lo que la guerra separó, que lo una el arte, el teatro. Victus reúne víctimas del conflicto, militares y policías retirados, ex guerrilleros de las FARC y el ELN y ex paramilitares. En su desarrollo plantea como puesta en escena la exploración de la memoria colectiva de un país que tiende a olvidar, y el perdón a través de las voces de las víctimas.

 

Minutos antes de entrar en escena para la última función, Alejandra Borrero habla de lo que siente al saber que está cerca de culminar Victus en el marco del FITB. «Me erizo de pensarlo, ha sido un honor tener este espacio para estos personajes, creo que se lo merecen», expresa.

De hecho, la obra es un diálogo que trasciende de las tablas y hace partícipe al público y también es un ejercicio de confrontación entre cada uno de los actores involucrados en el conflicto armado de Colombia. El único fin es la reconciliación, un proceso que aún está iniciando en el país.

«Tuvimos una reunión con todos y las lágrimas brotaban de ojos de cada uno contando lo que pasa en Colombia en este momento, pero también dando gracias por volver a vernos y aunque tengamos ideas tan diferentes nos amamos», finaliza Alejandra Borrero.

De éxito total podría considerarse la corta temporada de Victus por el Teatro Colón durante sus tres días en el FITB. Lleno total en cada una de las funciones y emociones encontradas entre los asistentes, que seguramente salieron con miles de preguntas del teatro y con mucha satisfacción.

Aunque en el latín ‘victus’, signifique derrotado -de hecho es el génesis de la palabra ‘víctima’- con estas tres jornadas soñadas ganaron los participantes de la obra, el público y el teatro con el mensaje invaluable de creer que sí vale la pena apostarle a la paz.

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*Foto: Cortesía FITB

‘Rojo’, una metáfora cruda del conflicto en Colombia que llega al FITB

«No eran guerrilleros, sino población civil», parece una frase de antaño, ubicua del gobierno de Álvaro Uribe, pero no. Fue parte de la denuncia hecha por la OPIAC (Organización Nacional de los Pueblos Indígenas de la Amazonia Colombiana) durante la última semana después de que el ministro de Defensa Diego Molano anunciara nueve bajas guerrilleras en Puerto Leguízamo, Putumayo.

***

 

Aunque Rojo, la obra del dramaturgo Johan Velandia fue pensada para antes de las elecciones que Iván Duque ganó, ahora debuta en el marco del FITB (Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá) y mantiene su vigencia, ya que el argumento parte de un escenario preelectoral. La historia cuenta con una alta carga simbólica de distintos flagelos que Colombia ha sufrido durante el último medio siglo.

Los falsos positivos, la compra de votos, el conflicto armado, el narcotráfico y la corrupción están presentes en un retrato crudo y metafórico con distintos elementos entre los que sobresalen notoriamente las botas.

«Las botas lamentablemente son un símbolo de la guerra, ya sea desde las víctimas o victimarios», señala Johan minutos después de que decenas de personas abandonaran el Teatro Libre de Chapinero, dónde se presenta la Rojo.

El caos en la historia se desata con una bota, con el desarrollo esta prenda sirve de metáfora reflejando parte del desasosiego que hubo entre muchos colombianos después de que se descubriera el escándalo de los falsos positivos. En el argumento se hace la analogía a las botas al revés.

En Rojo se nota la transformación de un pueblo pacifico y de un niño confundido, sus distintos actos rescatan cada característica de esa violencia que incluye las casas de pique, fosas comunes y la violencia de género. Un relato crudo en su máxima expresión.

«Es una obra muy coral, que habla de un pueblo, nosotros mismos, que es Colombia en un lugar imaginado en cómo vivíamos con esa vida sabrosa y de cómo se fue transformando en un lugar tétrico, terrorífico, de violencia y narcotráfico con masacres. En realidad es hacernos esa pregunta de cuándo pasó eso acá, cuáles son esos zapatos que hicieron que el pueblo se fuera a ese lugar oscuro de la violencia y del terror», expresa Johan.

Son muchos los cuestionamientos que surgen cuando el espectador digiere lo que acaba de ver: ¿Qué impide salir del círculo de la violencia?, ¿Algún día llegará la tan anhelada paz en Colombia?, ¿Estamos haciendo lo suficiente como individuos para menguar el flagelo del conflicto?, ¿Cuánta empatía será suficiente para incorporar las desgracias de las víctimas y reaccionar para acompañar parte de su dolor?

Con Rojo Johan Velandia pone sobre la mesa su punto de vista de país. «Esto necesita un cambio contundente. Votar por el continuismo, por lo que representa la derecha es lo que nos ha hecho daño como país», recalca.

Rojo es sin lugar a dudas una de las obras de teatro obligadas con la coyuntura electoral actual y estará los próximos 2 y 3 de abril en el Teatro Libre de Chapinero como parte del FITB. Está hecha con el grupo La Congregación entre quienes participan los intérpretes Diana Belmonte, Rafael Zea, Cristian Ruiz, Juana Arboleda, María Fernanda Fabre, Juan Villalobos y Daniel Maldonado.

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*Foto: Cortesía (FITB)

‘La más fuerte’, una de las 4 obras con las que inicia el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá

Este viernes 1 de abril se da inicio a la edición 17 del FITB (Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá). Para este año, La más fuerte, protagonizada por Marcela Mar y dirigida por Victoria Hernández, es una de las 4 obras que inauguran el festival.

La más fuerte tuvo su estreno oficial en Medellín el pasado 27 de noviembre del 2021. El argumento es adaptado de la obra homónima de August Strindberg, que se escribió en 1888. La historia nos plantea a dos mujeres -una de ellas silente- que se enfrentan con emociones que afloran y van desde la envidia a los celos en un contexto navideño.

 

Esta adaptación promete romper cualquier tipo de esquemas, pues no solamente hay presencia del teatro; sino que también es protagonista la danza con Luisa Hoyos, que interpreta el otro personaje de la historia; la gastronomía gracias a Pedro FernándezThe Chef Is Back-, que es la pareja de Marcela Mar; y las artes plásticas tienen notoriedad, ya que la obra se presentará en Galería La Cometa del norte de Bogotá.

Más allá del planteamiento del tema notorio, que es la rivalidad entre las mujeres, tanto Victoria como Marcela concluyen que el fondo apunta a la sororidad, no tanto desde el discurso, sino desde las acciones.

“Es un gran paso que estemos tan obsesionadas con decirlo y aparentar sororidad, pero siento que nos falta mucho pasar el discurso de la razón al corazón; instalar que tus éxitos no son mis fracasos, tus éxitos me inspiran, te puedo admirar. Esa es la gran lección. Yo la he tenido que aprender a los golpes, porque yo veía los éxitos de mis compañeras como mis fracasos. ‘La más fuerte’ fue la mejor terapia de todas, ahí la sororidad pasó de ser una palabra de moda a instalarse en mi corazón”, expresa Victoria Hernández.

Precisamente, desde las acciones es como Marcela Mar pone en práctica la sororidad por medio de esta obra, debido a que dentro del equipo hay 10 mujeres y dos hombres que hacen parte de La más fuerte.

“Sentí la necesidad de rodearme de mujeres para contar esta historia. Strindberg ha sido catalogado como uno de los grandes misóginos a través de la historia y por eso quise rodearme de mujeres. La sororidad no solamente es un término del que se debe hablar, sino que se construye desde nosotras. No es qué pienso o qué digo, sino qué hago, y quise darles visibilidad a otras artistas para que colaboraran en este montaje”, dice Marcela Mar.

La más fuerte surge de la necesidad de Marcela de contar otro tipo de historias con personajes femeninos que ella quería explorar. En un restaurante le puso el tema sobre la mesa a Victoria. Marcela quería hacer una obra similar a Persona de Ingmar Bergman -su filme favorito-, una historia de una enfermera con una paciente que pierde el habla y a través del cuidado la enfermera comienza a sentirse identificada con su paciente.

“En mi cabeza estaba sumando porque la obra es corta, me queda perfecta para hacerla con cena y que fuera un proyecto mío y de Pedro. En el proceso de trabajo del texto con Victoria tuve una epifanía pensando que sería bonito que esa mujer silente fuera una bailarina que respondiera desde su cuerpo”, señala Marcela.

Acá es cuando aparece Luisa Hoyos, bailarina que tanto Marcela como Victoria admiran y ya la habían visto en L’explose.

Después de que Marcela trabajó su monólogo, Victoria le ofreció unas pautas a Luisa para que creara unas partituras físicas, una propuesta de trabajo física y luego el encuentro de la actriz con la bailarina. El primer ejercicio entre ambas fue de improvisación.

“Fue un reto impresionante porque cuando llego al primer ensayo, Marcela tenía trabajado su texto. Así que ella comenzó a hacer lo trabajado con Victoria y yo me empiezo a preguntar cómo hago para ajustarme, para no hacer de más, pero tampoco quedarme en un lugar neutro. Se trata de saber acompañar lo que ella está narrando y apoyarlo, que para el público quede claro que esta mujer, aunque no habla con la palabra, habla con el cuerpo, los gestos y las miradas. Me ha parecido interesante ver cuánta fuerza tiene eso, qué tan poderoso es el silencio, el escuchar”, aclara Luisa Hoyos.

Aunque la obra parte de la confrontación y rivalidad de dos mujeres, la premisa se centra en cómo desde los opuestos se puede llegar a un espejo, lo cual deja la ventana abierta para pensar que los dos personajes puedan llegar a ser la misma mujer por medio de contrastes.

Finalmente, la obra de teatro se completa con una cena a 4 tiempos con maridaje de whisky, que es preparada por Pedro Fernández, ‘The Chef Is Back’, que marca el primer proyecto en conjunto con su pareja Marcela Mar. “Cuando conocí a Pedro hace 5 años entendí que nuestras artes se parecen mucho. El chef hace una mise en place y ahí hace una alquimia de los alimentos para entregarla a los comensales y nosotros en el teatro hacemos una alquimia del papel a la vida para entregársela a los espectadores. En ambos casos la obra se completa cuando la servimos”, explica Marcela Mar.

La más fuerte tendrá fechas el 1, 2, 3, 6, 7, 8, 9 y 10 de abril en Galería La Cometa (Cra 10 # 99 A 25) en el marco del FITB. Las boletas pueden adquirirse en Tu Boleta por 300.000.

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*Foto: Twitter @marcelamar07

Llega a Bogotá el Big Bang Clown

Casa E Borrero abrirá sus puertas en la sala arlequín a un espectáculo teatral donde protagonizado por un grupo de payasos quienes con mucha creatividad,  heterogeneidad de números cargada de juego, amor, sorpresas, distracciones ilógicas, pondrán  puesta en escena sin precedentes, llegando al corazón de cada uno de sus espectadores.

Esta experiencia invita a conocer distintos universos y búsquedas payasas: el conflicto por la propiedad de un corral, la locura de medir desmedidamente, las reflexiones de un payaso alcohólico en medio de la pandemia y toda una explosión de despropósitos y fracasos sin fin.

 

Se trata de una innovadora presentación teatral que tiene un inicio, un desarrollo y un final, la cual difiere a la función tradicional, dado que cuenta con una pluralidad de presentaciones, las cuales oscilan entre los 10 y 11 minutos cada una. En una diversidad de 7 fabulosos números en el que los mejores artistas de la escena clown en Colombia se reúnen para dar a nuestro público un encanto, goce y seducción  sin precedentes.

Esta producción cuenta con la participación de reconocidas figuras como  Paula Malik, Mario Escobar, Andrea Ruiz, Leonardo Forero, Fernando Rojas, Lucho Guzmán, Carlos Andrés Niño, Natalia Silva Ramón y Tatiana Torres.

Este 1 y 2 de abril a las 8:00 pm se llevará a cabo el gran pre-estreno de este fabuloso varieté en Casa E Borrero.

Lo que debe saber de la edición 17 del Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá

El 1 de abril se levanta el telón del FITB (Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá) en su edición número 17. Para este 2022 contará con al menos 30 obras nacionales e internacionales en su programación llena de danza, arte, marionetas, teatro físico, clown y otra variedad de espectáculos.

Después del acto de apertura el viernes en el Teatro Colón, el FITB tendrá la obra Laboratorio artístico de reconciliación: “Victus” como la que abre oficialmente el festival.

 

Además de las 24 obras nacionales, el FITB contará con obras de España, Reino Unido, Estados Unidos, Líbano, Bélgica, Argentina y una producción Colombo Francesa.

El espacio académico se llamará Escuela del Festival, que se describe como una especie de laboratorio de que protagonizarán profesionales de primera fila del mundo de las artes escénicas. DJ’s, músicos y productores se darán cita en la Carpa Cabaret, que será el bar y zona de rumba ubicado en el Movistar Arena.

El FITB tendrá vigencia hasta el 17 de abril y la boletería está a cargo de Tu Boleta, que contará con descuento de 15 % para clientes de Bancos Aval.

Programación

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*Foto: Cortesía del FITB

Casa E. Borrero seguirá en el Park Way: Alejandra Borrero

La actriz y directora de teatro Alejandra Borrero en entrevista para Confidencial Colombia, revela alguna de las sorpresas con las que llega Casa E. Borrero ahora que vuelve a abrir las puertas al público aficionado al teatro en Bogotá.

¿Qué lección dejó la pandemia a una artista como Alejandra Borrero?

 

Alejandra Borrero: Muchas. A Casa E. Borrero le enseñó que el arte no se puede perder, que espacios como este deben seguir vivos porque si algo necesitamos como sociedad es el arte, que es capaz de hablar sobre lo que somos como seres humanos y es desde ahí donde necesitamos hablar de lo que está pasando.

Algunos actores probaron suerte con el autoteatro y el teatro por streaming, sin embargo, el teatro les demostró que este funciona de manera presencial.

Alejandra Borrero: Es un espectáculo en vivo, no tiene comparación. Hay momentos en que se llena el alma y nos ha pasado cuando se está en medio de una obra de teatro. No tiene el mismo significado cuando se hace en video o desde la distancia al interior de un carro.

¿Con qué sorpresas regresa Casa Ensamble?

Alejandra Borrero: La primera es que ya no es Casa Ensamble, ahora se llama Casa E. Borrero. Venimos con una obra que se llama ‘Superpasito’, que es para escuchar con audífonos, con un formato donde el espectador debe poner de su parte. Es una pieza muy bella de Julio Escallón.

Eso quiere decir que Casa E Borrero seguirá dando a conocer los nuevos formatos del teatro como el de la obra ‘Cázame’ por ejemplo, que es teatro de inmersión.

Alejandro Borrero: Exactamente. Hemos dado a conocer esos nuevos formatos del teatro que se están proyectando en otros países y que sido éxito total. La casa misma lo pedía, fue por esto que hicimos obras como Habitación tres, tres, tres, que eran tres versiones de la misma obra con tres directores diferentes donde yo fui la protagonista y sentía que me iba a enloquecer porque cada uno me pedía algo distinto. Hemos querido ser únicos y para esto debes crear lo que no están haciendo los demás.

¿Cómo están los apoyos del Distrito, del Gobierno Nacional y de la empresa privada?

Alejandra Borrero: Estamos trabajando con el Ministerio de Cultura para continuar en la tarea de no dejar morir el arte, porque este ha sido el gran sacrificado.

¿Cómo se reinventó Alejandra Borrero durante la pandemia?

Alejandra Borrero: Soy otra. No fue nada fácil, emocional, monetariamente, el hecho de no contar con el espacio físico por el que has luchado fue muy duro pero bueno aquí estamos de nuevo.

¿Qué tan golpeada quedó Alejandra Borrero por la pandemia, esto teniendo en cuenta que los actores quedaron muy afectados al no ejercer su actividad económica?

Alejandra Borrero: Muchos artistas se dedicaron a otros oficios para mantener sus casas, sus hijos, etc., tuve la suerte de seguir ejerciendo mi oficio como profesora que es algo que me ha llenado porque me encantan los alumnos. Esto para mí fue una oportunidad.

¿Cómo ha sido ese mundo de enseñanzas al que Alejandra Borrero se ha dado?

Alejandra Borrero: Monté un taller que se llama ‘Cómo hablar en público y no morir en el intento’, fue una cosa impresionante porque por aquí han pasados abogados, escritoras, empresarios, gente muy diversa que han podido sacar su expresividad. En este año también lo voy a hacer, ya desde la presencialidad.

¿Cambiará en algo los talleres que dirige o seguirá con la misma visión y el mismo formato?

Alejandra Borrero: Como directora trabajo con gente del común, que no ha tenido formación actoral, demostrándoles que la imaginación es algo que solo tenemos los seres humanos y para mí ese trabajo se ha convertido en algo fundamental. Es emocionante ver a víctimas de tratas de personas, víctimas del conflicto hacer teatro, jugando con su creatividad sacando a flote toda esa emotividad es algo muy bello.

¿Qué tan cierto es Casa E Borrero se va del Park Way?

Alejandra Borrero: Seguiremos en el mismo lugar, ya estamos abriendo puertas e inaugurando la Sala Arlequín. Aquí estaremos hasta que Dios quiera.

Casa E Borrero arranca, ‘Superpasito’,

Una pareja se encuentra en un lugar donde el susurro es la norma. Existe un peligro inminente y fatal al subir la voz. ¿Podrán coexistir bajo ese pasito régimen? ¿Se atreverán a romper las reglas de su entorno? ¿Qué puede revelar cada riesgo y cada transgresión? Se enfrentarán a esas preguntas entre la vida y la muerte, entre el amor y el hastío, entre el silencio y la voz…

Esta innovadora presentación teatral de 70 minutos de duración, será estrenada el jueves 20 de enero de 2022 a las 8:00 pm. en las instalaciones de la reconocida Casa E Borrero. Su cuota actoral la convierte en una obra sin precedentes, contando con la dirección y protagonismo del actor, músico y director Julio Escallón, junto a Luna Baxter, ganadora de un Premio India Catalina a mejor actriz antagónica de telenovela.

 

Una representación teatral dada en susurros, allí, el público espectador, podrá disfrutar de la escena teatral usando audífonos, denotando una experiencia diferente y haciendo necesario de nuestra perspicacia y concentración a los detalles. La obra de la vanguardia teatral colombiana, sitúa al espectador cual espía del más leve suspiro de los personajes, y comienza a hilar con el sonido de este reducido espacio sonoro su trama de enigma, amor y fuga.

Superpasito, ha contado con un exitoso recorrido en diferentes países latinoamericanos, haciendo presencia durante el 2021 en el Festival del Cervantino realizado en Guanajuato, México. Así mismo, en el 2019 fue la obra suramericana escogida para el Pitch New Works de Ispa Guadalajara. Ahora Casa E Borrero abre la temporada presentando, junto a la compañía Espacio Escénica esta maravillosa Obra.

Funciones: Todos los jueves y viernes

Ultima función: viernes, 18 de febrero.

Dirección: Carrera 24 # 41 – 89