A poco menos de un mes se hizo el anuncio del Festival Internacional de Cine de Santander (FICS) en su decimosegunda edición. En esta ocasión los protagonistas serán los matachines, personas que se disfrazan de animales, personalidades y algunos con rostros particulares, y que a través de su puesta en escena cuentan las historias y mitos de la región.
La figura de los matachines es parte de la idiosincrasia santandereana, pues las máscaras de estos personajes servían para camuflar a los enfermos de lepra que llegaron al departamento, y de esta manera todos podían celebrar las festividades de la región sin discriminación.
«Este año queríamos resaltar la cultura santandereana a través de los matachines y que con su toque carnavalesco sean los encargados de invitar a todo el país y los habitantes de la ciudad a disfrutar de esta fiesta cinematográfica en la que tendremos películas de todo el mundo, talleres, conversatorios, nuestro tradicional semillero de cineastas que cumple con nuestra misión social: llevar niños, adultos mayores, personas con discapacidad; y muchas sorpresas que les iremos comunicando«, asegura Óscar Fonseca, director general del FICS.
El Festival Internacional de Cine de Santander cuenta con la presidencia del cineasta Sergio Cabrera, además de la dirección de Óscar Fonseca. Para más información del FICS puede ingresar a la página web en ficsantander.com. El festival se llevará a cabo del 27 de septiembre al 1 de octubre.
Un vacío e incertidumbre embarga a tres almas solitarias que se embarcan en una aventura por las carreteras de Colombia. Aunque El Árbol Rojo es una película sobre los dilemas de una familia disfuncional a finales de los 90, el conflicto armado se integra de manera sutil como un personaje transversal en la trama, cuyo hilo conductor es comandado por la gaita.
La historia sigue a Eliécer (Carlos Vergara), que fue encomendado con la última voluntad de su padre, un popular gaitero que recién murió y al que no ve desde hace décadas. La misión es que él reúna con su madre en Bogotá a Esperanza (Shaday Velásquez), su medio hermana desconocida. Al viaje se une Toño (Jhoyner Salgado), un aspirante a boxeador cuyo sueño es llegar a la capital para ser profesional y tener más oportunidades. A medida que el filme avanza, los personajes tienen que superar una serie de inconvenientes que les impone el destino.
El argumento de El Árbol Rojo se basa en un documental fallido que Joan Gómez quiso realizar junto a Iván Sierra sobre la antigua generación de Los Gaiteros de San Jacinto. La idea que tenían los realizadores era ir al pueblo, sumergirse en la cultura e indagar de dónde salen los populares sones de gaita.
“En horas y horas de entrevistas con ellos siempre aparecía el canto de los pájaros como inspiración para los sones de gaita. Este elemento quedó plasmado en el guion con los pájaros que ellos replican con la gaita. Con la gaita no se escribe, es tradición oral, todo es por oído. Así que todo es por herencia, lo que nos funciona en la historia porque hablamos de padres, hijos, historia, herencia y nos sirve como leitmotiv”, explica Joan Gómez, director del largometraje.
No es la primera vez que Joan Gómez incursiona en una historia en la que hay un conflicto hostil entre padre e hijo. El cineasta había tenido un acercamiento similar a este tema con Asunto de Gallos, cortometraje que escribió y dirigió en 2009. Sin embargo, el conflicto con esta ‘road movie’ es distinto porque parte de un abandono hacia el protagonista.
Afiche de El Árbol Rojo (Cortesía)
En este sentido se evidencia la figura del gaitero como un ‘rockstar’, que va de pueblo en pueblo dejando su arte e hijos regados. Esta característica se asemeja a la figura del patriarca tan común en los juglares vallenatos de antaño en la Costa Caribe. Además, el factor identitario se complementa con la facilidad que estos artistas tienen para comunicarse por medio de la palabra escrita, hablada o cantada. “Cuando yo hablaba con ellos contaban unas historias de grandes narradores en las que no sabes cuándo se atraviesa la línea de la verosimilitud y en qué momento estamos en la leyenda”, concluye Joan Gómez.
Rodar El Árbol Rojo fue todo un reto para los realizadores debido a que por cuestiones personales y de salud, el actor protagonista no podía grabar cuando iniciaba el cronograma de las grabaciones. Afortunadamente para los realizadores, Carlos Vergara, quien inicialmente estaba pensado como protagonista, puso su talento a disposición del equipo y así no retrasaron más el rodaje.
“Esta película es un ejercicio que nunca había hecho en más de 20 años en el medio. Yo había hecho casting para ese personaje, pero no llegamos a un acuerdo de fechas porque yo estaba produciendo y dirigiendo un documental. Cuando me llama Joan, me dice que le ayude porque no tenía a quién más pedirle el favor. Yo me puse en el lugar de él porque he dirigido mis cosas y pensé que para él era muy tenaz”, narra Carlos Vergara, protagonista de la producción.
El largometraje se rodó sin que Carlos tuviera el guion completo. Cada escena que grabaron se la entregaban a él una noche antes para que la estudiara, ya que el filme se grabó secuencialmente. “Estoy en tus manos, vamos a construir este personaje entre los dos”, fue lo que Carlos le dijo a Joan una vez se unió al equipo de rodaje. “Yo vengo del teatro, y sabes que el teatro le da a uno las herramientas con el secreto del ensayo-error; aquí fue ensayo y se fue”, apunta Carlos.
Precisamente, por esta dinámica inédita que se dio durante el rodaje, una de las escenas más fuertes -que está relacionada a la temática del conflicto armado- tuvo un impacto profundo en Carlos Vergara y cuenta que le tomó tiempo procesar esa escena e interpretarla.
Carlos Vergara (Cortesía)
“Te confieso que he visto la película dos veces. Me doy muy duro y casi no quiero verla. Ese momento todavía me conmueve y me quiebro emocionalmente. En el corte final no está todo lo que pasó. Después de esa escena me tocó alejarme para llorar y dejar que fluyera”, expresa Carlos, quien durante el rodaje vivió la incertidumbre de no saber el destino de los personajes que lo acompañaban.
En este viaje que emprenden los tres personajes principales hay un elemento que pesa y era bastante común en las carreteras colombianas para finales de los 90. “Pilas con la carretera”, “en la noche ya no hay carros”, “tengan cuidado” o “no se queden solos en la carretera”, son advertencias recurrentes en el filme que aluden al fantasma de la hostilidad que había con los grupos armados.
“Uno de los grandes retos de la dirección y escritura era lograr un equilibrio de una película que habla de las relaciones familiares disfuncionales y un país por el que necesariamente íbamos. Era muy difícil escribir una historia de la carretera a finales de los 90 que no tocara con la realidad del país, porque era algo que vivías y cualquier persona que viajó en ese momento por Colombia tiene una anécdota en cuanto a la hostilidad con la seguridad del orden público”, dice Joan.
Y aunque la temática pesa, no logra convertirse en el foco principal de atención o sobreponerse al drama familiar que se va contando.
La tradición y la identidad son dos factores cruciales para entender el filme. Así como los sones de gaita se transmiten de manera oral, la relación de cada personaje con su origen está presente. Tal es así, que Eliécer -que dejó de tocar la gaita hace décadas- rememora con el instrumento el son que su padre le dedicó. Además, cada vez que se encuentra con un pájaro, le silba para conectarse con la raíz de lo que en el fondo es la inspiración para los sones de gaita, la herencia de su padre.
“La película reflexiona acerca del origen. El intento es llevar al espectador a ese terreno. Que, sean cuáles sean tus orígenes, regreses allí, porque las raíces siempre aparecen de vuelta. Las puedes negar, pero siempre están allí para bien o mal”, concluye Joan.
El Árbol Rojo comenzó su rodaje en Rincón del Mar (Sucre). Otras escenas tuvieron lugar en Berrugas y San Onofre en Sucre; tuvo su paso por Magdalena y Bolívar; luego en Santander pasaron por Guane, Barichara y rodearon el Cañón del Chicamocha hasta llegar a Guasca (Cundinamarca). La travesía de la película y el rodaje culminó en Bogotá.
“Primero hicimos un viaje para buscar las locaciones con las cabezas del equipo. Alquilamos un carro y fueron 2.300 kilómetros que recorrimos buscando cada locación”, recuerda Sonia Barrera, productora del filme. “Hubo momentos en los que la cámara falló por la humedad de la playa. Un día la niña estuvo en la clínica porque le afectó el cambio de clima. Después todo fluyó, pero el arranque fue difícil. La gente ayudó a que fluyera, en cada locación la comunidad nos colaboró un montón. Fuimos muy honestos con todos, sin generar expectativas”, explicó.
A pesar de las dificultades que hubo con la logística y el elenco en esta película de carretera, a partir del 1 de septiembre los colombianos podrán disfrutarla y juzgar si el esfuerzo del equipo valió o no la pena.
El Árbol Rojo tuvo su estreno mundial en el Black Nights International Film Festival de Estonia y también tuvo su respectivo paso por el Festival Internacional de Cine de Cartagena -FICCI-.
La luz es protagonista en el lanzamiento del nuevo afiche de la edición 20 del Bogotá Short Film Festival / Festival de Cortos de Bogotá – BOGOSHORTS. El afiche fue dado a conocer a la opinión pública este martes.
La temática de la luz es protagónica después de dos años de pandemia y dos ediciones que optaron a centrar la incertidumbre en 2020 y los cuestionamientos derivados de un año de pandemia en 2021. Ahora el foco central del festival de cortometrajes más importante de la región está en la luz, elemento crucial para la creación del cine.
“Nuestra edición de la luz no es otra contribución al positivismo tóxico que invade nuestro mundo, en especial nuestra existencia digital, es más bien un esfuerzo por ver la esperanza desde un punto de vista realista, y aunque eso puede sonar contradictorio, estoy convencido de que la posibilidad de ver con luminosidad el futuro es un acto individual que se potencia en lo colectivo», señala Jaime Manrique, director de BOGOSHORTS.
El diseño del afiche está a cargo de Juan Esteban Duque. En él se ve a la popular Santa Lucía hecha con base en vitrales, con los que la luz se transforma una vez los atraviesa. Con este afiche se celebran dos décadas de BOGOSHORTS. Para el 2022 el festival se llevará a cabo del 6 al 13 de diciembre.
Vale la pena destacar que el 1 de septiembre se abre las convocatorias del BFM – BOGOSHORTS Film Market (In Vitro BFM e Incubadora BFM) y la convocatoria de voluntarios desde el 30 de agosto.
Para la edición 47 del Festival de Cine de Toronto(TIFF) -el más importante del continente- Todo incluido, cortometraje colombiano del director Duván Duque y producido por Franco Lolli (Gente de bien o Litigante) competirá en la sección oficial ‘Short Cuts’, la más prestigiosa del festival.
Todo incluido es un conmovedor relato sobre una familia recompuesta que sufre las consecuencias de un duelo y, a la vez, es una fotografía aguda de una sociedad que vive atrapada entre apariencias y que ha sido permeada en todos sus niveles por la corrupción y el narcotráfico.
Este duelo retratado en el corto está inspirado en la experiencia propia del director, quien perdió a la suya ante un cáncer, cuando él tenía dos años de edad.
«No quise hacerlo enfocándome en los grandes nombres de los escándalos de corrupción o los carteles de la mafia, sino en esa capa más extensa y anónima que el problema también permea.‘Todo incluido’ es el retrato de una familia que, como tantas en nuestro país, se enfrenta a un dilema moral en su lucha por mantenerse a flote”, señala Duván Duque.
Además de este cortometraje, representando a Colombia en el TIFF están los largometrajes So Much Tenderness de Lina Rodriguez y La Jauríade Andrés Ramírez Pulido.
Este lunes se hizo pública la Reforma Tributaria presentada por José Antonio Ocampo, nuevo ministro de Hacienda de Gustavo Petro. Una de las tantas quejas viene del sector cinematográfico porque lo afecta fuertemente.
El borrador de Reforma Tributaria deroga fragmentos importantes de dos leyes cruciales de la industria audiovisual del país: la 814 de 2003 o Ley del Cine y la 1556 de 2012, importante para el rodaje de obras cinematográficas en suelo colombiano.
Lo que eliminaría la Reforma Tributaria son los «beneficios tributarios a la donación o inversión en producción cinematográfica». Esto permitiría que personas que donen al sector del cine reciban incentivos en la renta.
Para la Reforma Tributaria presentada por Alberto Carrasquilla en el gobierno de Iván Duque también se señaló una queja similar y dicha derogatoria fue eliminada de la que presentó José Manuel Restrepo, anterior ministro de Hacienda.
José Manuel Ocampo fue cuestionado por esta fragmento que está en las 130 páginas de la Reforma Tributaria y señaló estar abierto a correcciones. «Si hay algún error estamos dispuestos a discutirlo. No queremos afectar el cine colombiano», dijo en la entrevista.
Por el momento las agremiaciones del mundo cinematográfico no se han pronunciado al respecto.
En la última edición del Festival Estéreo Picnic pasó algo que no habría creído fácilmente si no lo hubiese atestiguado: horas después de la presentación de J Balvin, miles de personas se agolparon en uno de los escenarios para ver al Binomio de Oro de América. No había una sola persona a mi alrededor que no se supiera cada canción del repertorio que presentaron. Incluso, descubrí que me sabía más canciones de la agrupación de las que creía. Por esto no deja de inquietar la razón por la que antes no se había hecho un documental de carácter comercial sobre la historia del vallenato. Para llenar ese pendiente llega Leyenda viva, el alma de un pueblo, filme que estará en las principales salas del país a partir de este jueves 21 de julio.
Si bien hay demasiado material televisivo con novelas y últimamente el documental de Netflix, Diomedes: El ídolo, el misterio y la tragedia, hasta ahora surge un trabajo que explora en las entrañas del género musical desde sus pioneros, y que pone más el foco en los compositores de las letras que en los intérpretes. «Lo lindo del vallenato es la poesía. Decimos siempre: ‘Ay, qué bonita letra tiene el vallenato’. El vallenato son letras, poemas con música; queremos que la gente entienda eso y ame más el vallenato, lo que es nuestro», dice Martín Nova, director del filme, que también dirigió Colombia magia salvaje.
Los primeros planos de Leyenda viva hacen una transición con esa Colombia salvaje con los paisajes de la comprendidos entre la Serranía del Perijá y la Sierra Nevada de Santa Marta, territorio que se conoce como el Valle del Cacique de Upar, la cuna del género. «Al final el punto en común entre ‘Leyenda viva’ y ‘Colombia Magia Salvaje’ es la naturaleza.La naturaleza y el medio ambiente es uno de los grandes inspiradores del vallenato. Cuando uno habla con los compositores vallenatos uno encuentra que lo más recurrente en su inspiración es la naturaleza, los caminos y, por supuesto, la mujer. Había que mostrar ese valle donde habita el ser humano», complementa Martín.
En 2015 la UNESCO declaró el vallenato como patrimonio inmaterial de la humanidad y Martín Nova nutrió el proyecto con historiadores, intérpretes y compositores. En un diálogo que prescinde la voz en ‘off’ se va armando el rompecabezas que hila la historia del vallenato y sus problemáticas. De este diálogo participan Carlos Vives, Fonseca, Ivo Díaz, Chabuco, Sergio Moya, Sandra Daza, Nafer Durán, Rosendo Romero, entre otros.
Cortesía
Leyenda viva está pensada para todo tipo de público. Si al documental asisten personas de corte académico descubrirán que la tonada de Amor, Amor en la Guerra de los Mil Días durante la reconquista, fue tan repetida que los criollos se la aprendieron y se la apropiaron; si van amantes del cine -además de disfrutar de las tomas de los paisajes- aprenderán que El caimán fue el primer vallenato en cine con la película mexicana Pasiones tormentosas. El ritmo fluido permite que el filme sea familiar e invita a que todos canten en las salas los clásicos más importantes del vallenato.
Hay cuatro ejes que son abordados en el documental: el origen, la naturaleza, el rol de la mujer y el futuro del vallenato. Estas últimas dos temáticas tienden a ser las más polémicas. Con el rol de la mujer se destaca el cambio cultural de chip que hubo con la creación del Festival Vallenato por Consuelo Araújo, Rafael Escalona y Alfonso López Michelsen en 1968; también de la importancia de figuras como Patricia Teherán como intérprete y de Matilde Lina como musa.
«Yo digo mucho que esta película es una mujer, es la Leyenda vallenata, es femenina y la mujer es la inspiración. La mujer ha tomado un rol protagónico no solamente como inspiración, sino como compositora e intérprete. Este año en el Festival Vallenato sorprendió la cantidad de mujeres protagonistas en las tarimas y es una belleza lo que pasa», afirma Martín Nova.
Así como Leyenda viva expone los cimientos, hitos y la transformación del vallenato -que dio pie a que pasara del folclor a algo más comercial añadido al empuje internacional que le dio Carlos Vives con La gota fría– se inicia una conversación candente sobre si el género desapareció o simplemente evolucionó.
«Hay algo muy importante y es que Gabriel García Márquez decía que ‘Cien años de soledad’ es un vallenato largo. Entonces esa frase -que le ha faltado más exposición y análisis- nos invita a investigar el vallenato ¿Por qué García Márquez decía que su libro cumbre es un vallenato? y eso qué significa para el vallenato como género», concluye el director.
Mas allá del documental, Leyenda viva es una plataforma que cuenta con una banda sonora, ‘soundtrack’, varios proyectos musicales venideros con Codiscos -productora de la película junto a memu(á) films- y un libro editado por Planeta.
Este jueves 19 de mayo se estrena en las principales salas de cine del país El film justifica los medios, documental que evoca los orígenes del cine político en Colombia.
La película es la ópera prima de Jacobo del Castillo y se nutre de entrevistas a la madre del documental político en Colombia como Marta Rodríguez, a Carlos Sánchez y Carlos Álvarez, recientemente fallecido. El director también nutre su trabajo de material de archivo inédito para representar lo mejor de estos cineastas en las décadas de los 60 y 70.
El film justifica los medios evoca los momentos más importantes del país en dichas décadas, además se centra en un fragmento sobre cómo intentaron opacar al cine político con el cine oficial. También los peligroso que era cubrir arbitrariedades del estado en esa época.
«Pensamos recuperar la memoria de los cineastas para redescubrir lo que no sabíamos y no olvidar. La película recupera el testimonio de estas madres y padres del cine documental político», señala Jacobo del Castillo.
La película lleva gestándose desde hace 6 años. Al inicio era una investigación independiente de Jacobo, que después invitó a Laura Coronado para que lo ayudara con la producción.
«Fueron sentimientos encontrados. Para nosotros encontrar a estos maestros fue algo espectacular y más para hacer una película del cine sobre el cine. Era ver esos espejos y dejarnos contagiar por ese espíritu que los motivó a ellos en ese momento», afirmó la productora.
Mientras en la película se narra cómo un grupo de jóvenes desde sus márgenes documentaba las injusticias propiciadas por el gobierno, en el fondo hay un mensaje de alerta que llama al cuidado del material de archivo de esta época, que por falta de fondos se ha perdido o deteriorado. Ahora está al alcance de los colombianos en las salas.
Se van a cumplir 7 años de la firma del Acuerdo de Paz en el Teatro Colón con las extintas FARC-EP, pero Colombia aún tiene cuentas pendientes con la justicia transicional, las víctimas y los desmovilizados.
En una coyuntura electoral, en la que la paz ha sido opacada por la corrupción en los debates, No odiaráses un documental que juega el papel de un oasis para retomar esta conversación en el país.
El documental de poco menos de una hora y media recopila los perfiles de tres mujeres involucradas en el conflicto armado. La excombatiente Sandra Ramírez, la hija de una lideresa Esther Polo y la también activista e hija de un militar condenado, Bibiana Quintero. Ellas intentan hacer una catarsis sobre las cicatrices que la guerra ha dejado en cada una.
«Teníamos muchas historias, fue difícil elegir. Sin embargo, encontramos que nuestras tres protagonistas reflejaban los distintos lados del conflicto y eran una muestra y una invitación al perdón y a la reconciliación», señala Gloria Castrillón, directora del documental.
No odiarás es un relato conmovedor con los tres relatos expuestos, pues además de que el eje central es el conflicto armado, hay una historia de Sandra Ramírez profunda de las razones que la llevaron a integrarse a las FARC-EP y un trabajo complejo en la reparación de las víctimas; también un ejercicio de perdón de Bibiana con su padre, quien vistiendo el uniforme del Ejército cometió faltas y ahora intenta reintegrarse a la sociedad; y por último un desahogo de Esther Polo con su madre y un duelo con su padre, que fue asesinado antes de que ella naciera.
Este filme cuenta con el apoyo de Colombia + 20 de El Espectador y comenzó su rodaje en septiembre del 2020. Fue rodado en Córdoba, Norte de Santander, Antioquia y Cundinamarca. El equipo realizador estuvo recorriendo zonas recónditas del país en lanchas camionetas y a pie por trochas.
«Una de las cosas que más nos preocupaba era la seguridad. Tuvimos que mandar razones e informar a los actores armados que se encuentran en esas zonas. Nos sorprendió gratamente el apoyo y la protección que recibimos de las comunidades», expresó Gloria.
Si una exguerrillera, la hija de un militar condenado y la hija de una lideresa víctima del conflicto armado pudieron entablar un ejercicio de perdón y reconciliación, el país debería estar dispuesto a dejar el rencor y el odio de lado a propósito de las tensiones que ha reactivado las elecciones presidenciales.
Los colombianos tienen una cita pendiente con la reconciliación y el cine a partir del 19 de mayo, día en el que No odiarás estará en las principales salas de cine del país.
Desde la Alcaldía de Medellín, este 2022 se apoyará la promoción y difusión de al menos siete películas rodadas o producidas en la ciudad, que se estrenarán entre abril y octubre bajo la iniciativa de Cine Hecho en Medellín.
“Esta es una iniciativa para potenciar el estreno comercial en las salas de películas rodadas o producidas en nuestra ciudad… Habrá presencia de las películas en vallas, televisión y tendremos funciones específicas que haremos con públicos de la ciudad”, precisó el coordinador de FilMedellín, Juan David Orozco.
Cine Hecho en Medellín surge de las empresas productoras y distribuidoras de las obras es apoyada por el Despacho de la Gestora Social, Telemedellín, la Secretaría de Comunicaciones, el Festival Miradas, la Cinemateca Municipal y FilMedellín – Comisión Fílmica.
Además de Amparo -recientemente estrenada-, se incluyen: Una madre, Si Dios fuera Mujer, Cantos que inundan el río, La ciudad de las Fieras, Los reyes del Mundo y La roya.
“Nosotros como industria todavía tenemos que entender esa fase tan importante que es la distribución, la promoción. El cine, como todas las artes, necesita del apoyo institucional para sobrevivir. Estrategias que apoyen el proceso de distribución y promoción de las películas se hacen fundamentales y relevantes”, explicó Simón Mesa Soto, el director de Amparo.
Esta es la agenda de las películas que tendrán el apoyo de Cine Hecho en Medellín que llegarán este año a las salas de cine:
Abril:Amparo, dirigida por Simón Mesa Soto.
Junio:Una madre, dirigida por Diógenes Cuevas.
Julio:Si dios fuera mujer, dirigida por Angélica Cervera; y Cantos que inundan el río, dirigida por Germán Arango.
Agosto:La ciudad de las fieras, dirigida por Henry Rincón.
Septiembre:Los reyes del mundo, dirigida por Laura Mora.
Octubre:La roya, dirigida por Juan Sebastián Mesa.
Después de los éxitos que han tenido Ritmo Salvajey Pálpitoeste 2022, Netflix sigue dándole oportunidad a las producciones colombianas.
La plataforma de ‘streaming’ anunció al menos 4 producciones que se estarán presentando en la segunda mitad del 2020.
A continuación dejamos la sinopsis de cada una de las producciones confirmadas por Netflix.
Goles en contra
Goles en Contra es una miniserie de 6 episodios sobre el auge y la caída del Fútbol colombiano entre los años 1987 y 1994 y de cómo la Selección de ídolos más emblemáticos tuvo que enfrentar situaciones y decisiones difíciles. Pero, sobre todo, esta es la historia del sueño de un país y un equipo que, partido tras partido, se fue volviendo trizas, en una pesadilla que llevaría a algunos hasta la muerte.
La primera mujer
Ambientada en la década de 1970, esta es la historia de Camilo, un chico tímido y peculiar, quien no tiene mucha experiencia en el amor cuando se enamora profundamente de Eva, una chica misteriosa e ingeniosa, que es admitida en su colegio masculino. Mientras Camilo intenta sin éxito conquistar su corazón, Eva pone patas arriba el mundo de Camilo y sus amigos, enseñándoles todo sobre el sexo, el amor, las drogas y la vida real. Camilo descubre que Eva guarda un profundo, y oscuro secreto, que podría separarlos para siempre y ahora tiene que luchar para no perder al primer amor de su vida.
Adulto promedio
Liss Pereira llega a Netflix para presentar su segundo especial en el que invita a la audiencia a entrar – literalmente- a su closet. En Adulto promedio, la colombiana compartirá sus más profundos secretos sobre relaciones, la familia y el ser madre.
Mañana será peor
En medio de las celebraciones por sus 20 años en el mundo de la comedia, Ricardo Quevedo llega para presentar su tercer especial en Netflix. Grabado en el icónico Teatro Faenza de Bogotá, Mañana será peor presenta a un Ricardo que habla sobre cómo es su vida, la relación con su esposa, la pandemia y la vacunación.
Desde 2011, la Corte Constitucional dejó expreso que las batidas realizadas por el Ejército estaban prohibidasen Colombia. Sin embargo, se han denunciado varios casos de retención ilegal de jóvenes por parte del Ejército en los últimos años con el pretexto de la solución de la situación militar de cada uno por no portar la libreta.
En los 90 y comenzando los 2000, esta práctica era parte del paisaje cotidiano en las urbes y zonas rurales de Colombia con un denominador, siempre se hacían en zonas de escasos recursos. Desde el cine no había un referente potente que abordara este tema con agudeza y para ello llegó Amparo, la ópera prima del director antioqueño Simón Mesa.
La película, que se estrena en las salas de cine del país este 28 de abril, se centra en la historia de Amparo, una madre soltera de clase media a la que el Ejército le captó a su hijo -que recién cumplía los 18 años- para llevárselo a combatir en Caquetá. Valiéndose de todos sus medios, ella hace lo que tiene a su alcance para recuperar a su hijo, se enfrenta a una serie de violencias y crudeza que la cotidianidad colombiana noventera escondía sutilmente.
El personaje principal es interpretado por Sandra Torres, una cara nueva en el mundo de la actuación que también realizó su primera película. Su personaje se destaca por la potente expresividad de lo no verbal más allá de lo que dice. De hecho, en la mayoría del filme, la cámara la sigue muy de cerca evitando planos abiertos.
“Es mi primera película. Me decían que los ojos hablaban y yo me decía: ‘pero ¿cómo?’. Entonces me quedaba seria, callada y pensativa. Todo esto es gracias a Simón porque él me ponía a pensar y reflexionar. En esos momentos pensaba en mis hijos, en lo duro que me ha tocado, en los sufrimientos de mi madre”, explica Sandra sobre cómo abordó su personaje.
Amparo, además de intentar sacar a su hijo de las garras de la guerra, también se ve expuesta a una suma de violencias ejercidas por el patriarcado. Se tiene que enfrentar siempre a hombres en posición de poder buscando que alguno de ellos pueda ceder y así acercarse al objetivo de recuperar a su hijo; incluso ve cómo su propia familia le da la espalda en un momento tan difícil para ella.
La idea principal de Amparo surgió de los lazos fuertes de la relación entre Simón Mesa y su madre. Él quería que su primera película estuviera relacionada a ella, pero también la enlaza a ese temor de infancia y adolescencia que le suscitaban a él las batidas del Ejército en los barrios populares de Medellín. “En Medellín uno caminaba por los barrios o por el centro y veía los camiones y tocaba ir por otro lado. Uno vivía con ese temor y más sabiendo que uno se podía ir a engrosar las filas de la guerra en algún lado. Era un pensamiento que estaba muy arraigado en esa juventud”, expresa Simón.
Mientras se va desarrollando la historia, el tramitador del Ejército que intenta ayudar a Amparo sentencia una simple frase que encierra el fondo del ciclo de la guerra en Colombia: “Lamentablemente, la guerra es para los pobres”, dice. Aunque la protagonista tiene empleo y de cierta manera una vida digna, se enfrenta a conseguir una suma de dinero para liberar a su hijo, una suma que para alguien adinerado simplemente significa una cifra más.
En lo técnico, Amparo es filmada en un formato cuadrado que deja claro al espectador que la intención del director es reflejar esa intimidad del personaje principal con algunos subtextos y poco diálogo.
“Al principio queríamos filmar en un formato que era más abierto, pero era tan costoso que no lo pudimos usar. Como necesitábamos recrear los 90, una de las razones por las que se ve cuadrado y tan cerca al personaje era evitar que se viera la ciudad, que se ve muy poquito, porque teníamos poca plata para los carros y las calles de la época. Entonces nos acercamos mucho más al personaje y nos ahorramos una plata”, explica Simón.
Cada espectador buscará qué temática lo afecta más entre la guerra, las batidas ilegales, la maternidad, las violencias de género o la corrupción, pero lo cierto es que el filme más allá de plantear soluciones deja muchos interrogantes sobre cuánto hemos avanzado en esos ítems como sociedad colombiana.
Simón Mesa logró debutar con Amparo en el pasado Festival de Cine de Cannes y la película logró que Sandra Torres ganara la estatuilla de actriz. Aún con un semblante alegre y los ojos brillantes, la actriz recuerda y narra el momento en el que se supo ganadora de dicho reconocimiento:
“Yo ni entendía lo que estaban diciendo. Simón me dijo que ya iban a premiar a la mejor actriz y nunca me sentí partícipe porque no me sentía como una actriz. Creía que actrices eran ellas que han estudiado y tienen mucho tiempo acá. Pensaba: ‘Ay que rico que llamaran Sandra Melissa Torres’. En el momento que lo dije, lo dije tan fuerte y segura que cuando ellos lo dijeron, quedé anonadada. Me pregunté: ‘¿Será que lo dije tan segura que lo escuché allá?’. Simón me miraba y me dijo: ‘Sandra, párate y ve’, y yo: ‘Ah ¿es que sí es verdad?’, y me fui contenta, asustada y temblorosa”, relata.
Ahora es el turno de los colombianos disfrutar de este filme, que sin duda será uno de los acontecimientos más grandes que tendrá el cine nacional y estará este 28 de abril en las distintas salas del país.
Se viene la edición 20 del Festival de Cortos de Bogotá / Bogotá Short Film Festival – BOGOSHORTS, que se llevará a cabo del 6 al 13 de diciembre de 2022 en Bogotá.
Por ende, desde el 9 de abril (fecha de El Bogotazo) hasta el 6 de agosto (Fundación de Bogotá), se abre la convocatoria de cortometrajes de todo el mundo para participar por los distintos galardones de la Santa Lucía.
Las categorías serán: Competencia nacional, Competencia internacional, F3 (Fanático Freak Fantástico), Competencia VR (para formatos en 2D, 3D y 360), Competencia colecciones y Competencia Colección.
Requisitos
Obras de Ficción, Documental, Animación, Experimental y Videoclips de máximo 30 minutos, producidos desde el 1 de enero de 2021, que no hayan tenido ninguna exhibición pública en Colombia y que no se encuentren publicados en internet (excepto videoclips).
La inscripción se llevará a cabo únicamente a través de la plataforma ShortFilmDepot (www.shortfilmdepot.com)
Del 9 de abril al 6 de junio de 2022, la inscripción será gratuita para la Competencia Nacional, la Competencia F3 – Fanático Freak Fantástico y la Competencia VR, y se aplicará una tasa de 5 USD para la Competencia Internacional. Después del 7 de junio se aplicará una tasa de 5 dólares a la Competencia F3 y 10 dólares para la Competencia Internacional.
Aunque falta más de una semana para que se dé inicio a los Premios India Catalina, este viernes se supo que la bonaverense Margoth Velásquez recibirá el premio Víctor Nieto a Toda una Vida. El evento se encuentra en el marco del FICCI (Festival Internacional de Cine de Cartagena), que se hará del 16 al 21 de marzo.
«A mí me ha sorprendido gratamente este premio. Qué rico que una corporación como lo es el Festival de Cine de Cartagena y los Premios India Catalina de la Industria Audiovisual me tengan en cuenta. Lo recibo con tranquilidad y con satisfacción”, señaló la actriz cuando se enteró del galardón.
Los inicios de Margoth en las artes escénicas comenzaron a gestarse cuando entró al INCORA (el Instituto Colombiano de la Reforma Agraria) como secretaria y con la finalidad de poderse pagar por sí misma sus estudios. Ahí forjó el sueño que ha dado sus frutos con al menos 50 series, 30 telenovelas y más de 15 películas, que hacen parte de su recorrido en el audiovisual.
En el INCORA había beneficios extracurriculares entre los estaba un fórum cultural que la llevaron a ganar experiencia al lado de grandes maestros. «incluía danza, literatura, teatro, ajedrez y estudiantina que, en esa época, fue famosísima y de altísimo nivel musical», dijo Velásquez.
Inició en el teatro, y aunque alternaba con la danza y la pintura, Margoth entró al mundo de la televisión. Con El alférez real hizo su debut bajo la dirección de Felipe González. Allí interpretó el papel de Andrea, una mujer esclavizada que debía servirle a la protagonista Inés. Después hizo su ingreso al cine.
Margoth Velásquez hará presencia en la ceremonia de premiación de los Premios India Catalina de la Industria Audiovisual en su edición 38 se realizará el 20 de marzo de 2022.
¡Del cine a la acción! ya tiene a sus cinco talleristas en el marco del 61° FICCI (Festival Internacional de Cine de Cartagena). Este laboratorio de campañas de impacto es creado por DOC:CO Labs y se realizará del 17 al 20 de marzo.
Estas personas expertas guiarán a los 35 seleccionados de todo el territorio colombiano para aprender a diseñar campañas de impacto, relacionadas con la distribución audiovisual.
La razón de la invitación a quienes dirigen estos talleres es porque se comparte contextos, diversidades culturales, étnicas, procesos sociales similares y además de mirarnos al espejo y aprender de otras iniciativas, potenciamos el tejido de una red latinoamericana de productores de impacto.
Entre los perfiles de los diversos talleristas, hay provenientes de Colombia, México y Brasil, que han acompañado procesos de transformación social en diferentes regiones de Latinoamérica, que pertenecen a redes y colectivos audiovisuales de producción de impacto, que han participado en la realización de destacados largometrajes.
Este lunes el cine colombiano quedó en luto. Andrés Restrepo, actor e hijo del reconocido actor Fabio Restrepo, perdió su batalla contra el COVID-19 y falleció. El actor Fabio Restrepo se encuentra internado en una Unidad de Cuidados Intensivos (UCI).
«El Covid -19 no se ha ido, sigue atacando y causando dolor en miles de familias. Hoy falleció en Antioquia el actor Andrés Restrepo. Su padre, Fabio Restrepo, continúa en UCI (estable). Oración y mucha fuerza para su familia y amigos», señaló el periodista Hernán Muñoz.
El Covid -19 no se ha ido, sigue atacando y causando dolor en miles de familias. Hoy falleció en Antioquia el actor Andrés Restrepo. Su padre, Fabio Restrepo, continúa en UCI (estable). Oración y mucha fuerza para su familia y amigos. https://t.co/1LXSd5XX4Qpic.twitter.com/r4JQXvprQt
El periodista señaló que hace una semana se presentó el estreno de la serie Comando de búsqueda-que cuenta con hechos inéditos de la muerte de Pablo Escobar- donde ambos participan, y se hizo un minuto de silencio por la situación grave de salud en la que ambos estaban.
Fabio Restrepo es recordado en filmes colombianos como Chocó(Johnny Hendrix Hinestroza) o Sumas y restas(Fernando Gaviria); y en televisión por papeles en Rosario Tijeraso Lady, la vendedora de rosas.
