Sin lugar a dudas Barbieva a ser una de las películas más esperadas de 2023. Por eso, Warner Bros aprovechó la cercanía con Navidad, fecha en que más se comercializa la muñeca, para lanzar el nuevo tráiler del filme.
«Desde los inicios de la Tierra. Desde que la primera niña existió han habido muñecas, pero las muñecas habían sido siempre bebés hasta que…», declara la voz en off del tráiler que presenta el ‘live-action’ de Barbie.
A partir de allí se presenta a una adula Margot Robbie en medio de un terreno prehistórico para irrumpir en lo que la narración viene contando y se muestran unos clips que parecen dar pistas de que el filme será ambientado entre los 80 y 90.
La película está prevista por Warner Bros para que se estrene en el verano del próximo año en las principales salas de cine del mundo.
El director cinematográfico y escritor francés, Olivier Dahan, conocido por sus cintas La vie promise (2002), La vida en rosa: Edith Piaf (2007) o Grace of Monaco (2014), presenta en la gran pantalla el largometraje “Simone, la mujer del siglo”.
Este filme cuenta su biografía de Simone Veil, francesa que ha dejado legado entre las mujeres con su lucha contra el poder. El director hace un recorrido de diversos periodos teniendo en cuenta los sucesos más relevantes por los que pasó este icono feminista en el siglo XX.
La película expone las batallas de Simone y también, cómo logra transformar su época con una comunicación humanista para la sociedad que actualmente sigue haciendo parte de este siglo. Una de las confrontaciones de esta mujer que marca su juventud es ser partícipe de Holocausto y estar dentro de las 40.000 personas sobrevivientes.
Entre sus causas estuvo la lucha por la paz, la democracia, el feminismo y las condiciones de vida de los reclusos de la guerra de su país e involucrarse en la política. Fue alta funcionaria del Ministerio de Justicia y Sanidad, donde impulsó la ley Veil en 1974 que despenaliza el aborto en Francia y la primera mujer en presidir el Parlamento Europeo.
Esta historia de la vida real se suma a la cartelera de Cine Colombia dentro de los estrenos para iniciar el año a partir del 12 de enero. Con una duración de 140 minutos el elenco lo lideran Elsa Zylberstein, Rebecca Marder, Elodie Bouchez, Judith Chemla, Olivier Gourmet, Mathieu Spinosi, Sylvie Testud, Philippe Torretonn y Philippe Lellouche. La cinta ya realizó su estreno en Francia y obtuvo más de 2 millones de espectadores siendo una representación de fuerza, determinación y voluntad para la humanidad.
Abriendo diciembre se estrenó en las principales salas de cine del país La Frontera, la ópera prima del director David David. El filme cuenta con la participación de Alejandro Aguilar, Daylin Vega, Nelson Camayo y Sheila Monterola.
El filme sigue a Diana Ipuana, una joven wayuu embarazada que le hace frente a su destino pese a las dificultades que la frontera de Colombia y Venezuela en La Guajira le presenta. Ella vive esta lucha con una serie de ensoñaciones que le van despejando su devenir a medida que la historia avanza.
La película ha sido laureada en el Festival de Gramado (Brasil) y en el Festival de Málaga (España). También ha sido parte de la selección oficial de una decena de festivales a lo largo del mundo y ahora aterriza en las salas nacionales.
Confidencial Colombiase contactó con David David, director barranquillero de 37 años que con este estreno muestra al mundo su primer largometraje, tras haber participado en una serie de cortometrajes. A continuación lo que nos dijo.
Confidencial Colombia: La Frontera como un concepto puede verse desde de dualidad entre la belleza del paisaje y el drama de los personajes; lo onírico y lo real y demás ¿Cómo se construyó la historia a partir de ello?
David David: Has dicho una palabra que pudo ser un título más conceptual que es la dualidad. La frontera no es solamente el espacio geográfico que separa dos países, que es una visión muy política. Dentro de la historia hay un contraste interesante que logré entender después de conocer a la cultura wayuu más a fondo: para ellos no existen fronteras, ellos habitan La Guajira de Colombia y Venezuela sin entender que hay una frontera en medio. Es complejo cerrar o abrir una frontera que alguien no ve, porque los presidentes de Colombia y Venezuela durante una época estuvieron en pugna, cerraban y abrían las fronteras, pero no tenían en cuenta cómo funcionaba la dinámica local de estos espacios o cómo lo percibe la gente. Desde allí, comencé a construir la historia buscando algunos elementos como la dualidad entre el mundo real –que es cruel y crudo- con ese mundo onírico que parte más de la imaginación de la protagonista. Ella también tiene la oportunidad de expresar sus frustraciones, miedos y deseos que no podía expresar en su realidad.
¿Cuáles fueron esas fronteras o dificultades que tuvieron que trasgredir para que la película llegara a los cines?
El cine nacional tiene que trascender muchas fronteras, muchas dificultades. Una vez tuvimos la noción de que queríamos contar la historia y que podíamos hacerlo manejando los pocos recursos que había al alcance, nos dimos a la tarea de lograrlo. Había cosas que más que fronteras las vi como retos; por ejemplo, plasmar una cultura a la que no perteneces como los wayuu y poner a hablar en wayuunaiki a personas que no lo hablan da un poco de temor, pero descubrí cosas que me hicieron querer hacerlo más. Cuando estaba haciendo el casting de la protagonista me fui a hablar con mujeres wayuu y me di cuenta que muchas no saben hablarlo porque la lengua se está perdiendo. Hacer la película es una forma de decir que existe esta lengua y hay que mantenerla viva. Eso hacía que trascendiera cualquier otro inconveniente en el camino.
Daylin Vega y Sheila Monterola (Proimágenes)
¿Cómo fue el proceso de investigación sobre la cultura wayuu para representarlos en pantalla de una manera adecuada?
Soy de ascendencia guajira, mis papás son del sur de La Guajira. Yo nací en Barranquilla, pero todas las vacaciones de mi vida las he pasado allá. Ahora estoy en Cesar que queda a tres horas y me he sentido inmerso en ese espacio. Fue más un proceso de profundización, no sentí que tuve que acercarme a algo desde cero, sino que era como cualquier otra historia donde debes entender cómo es la cosmovisión de ellos -sobre todo la de las mujeres- o la noción de la familia y para eso me apoyé de personas locales. En el set había una ‘coach’ de diálogo que se encargaba de cerciorarse que estuvieran bien pronunciados los textos de wayu naiki y desde allí uno minimizaba riesgos.
Chalis es un personaje que le da luz y chispa a la historia y que sirve para ver otro semblante de la protagonista ¿Por qué era necesario el personaje?
Era necesario porque para mí todo parte de una búsqueda del equilibrio ¿Qué noción tenemos de una frontera?: tú estás de un lado, otra persona de otro y a la mitad hay algo que nos separa; ¿qué pasa al abrir ese bloqueo?, pues nos aprovechamos de lo bueno que hay del otro lado y ese personaje venía a manifestar eso. También es una exaltación de los contrastes, entonces este personaje debía ser muy distinto de Diana para que no tuvieran afinidad y que la historia fuese revelando qué cosas las reúne. En un aspecto más específico, Chalis se llamó una tía que quise mucho, tenía este desparpajo al hablar y quería verla reflejada en una pantalla por su manera de ser. Cuando entendí la necesidad de construir ese personaje le di visos de personas que conocía y cuando llegó Sheyla Monterola que es la actriz, vino la revelación final. Te soy sincero, cuando pensaba en cómo debía ser Chalis y en el contraste pensé que debía ser una mujer blanca, porque los wayuu le tienen un nombre que son alijunas. Para establecer esta frontera entre las dos creía que el personaje debía ser todo lo opuesto a la protagonista, pero Sheyla trascendió la idea que tenía, fue más allá de la raza y lo interpretó de la manera que necesitaba.
El filme abre con un audio de Nicolás Maduro y es inevitable abstraerse de lo político. Ahora hay un proceso de reapertura de la frontera entre Colombia y Venezuela ¿Cómo ves este cambio después de haber hecho una película que toca este tema?
Eso me ha mantenido tranquilo con la distribución de la película. Este filme la rodamos en 2018, en la pandemia todo se dilató y ahora llega a salas. Cuando grabamos la película creíamos que era pertinente porque en esos momentos había roces entre los presidentes de Colombia y Venezuela. Cuando la estaba terminando la creí pertinente porque empezó la polarización tras la firma del acuerdo; después vino la pandemia que nos habla de otra manera de establecer fronteras, donde la ciencia te decía que tuvieras cuidado porque el de al lado te podía hacer morir con un virus; y ahora se está reabriendo la frontera. Independiente del momento en el que la historia le llegue a cada persona, le va a decir algo.
Este jueves 15 de diciembre se estrenará oficialmente en la mayoría de salas de cine la secuela de Avatar. La banda sonora será liderada por The Weeknd.
El canadiense anunció que iba a hacer parte de la que promete ser la película del año. Lo hizo por medio de sus redes sociales con un pequeño clip que después fue compartido por las redes de la película.
La canción estaría lista para ser escuchada en las principales plataformas de música por ‘streaming’ el próximo 16 de diciembre. Por el momento no se han dado más detalles sobre el resto de la banda sonora de la película.
La roya es un hongo que ha puesto en jaque miles de hectáreas cafeteras a lo largo del país. La roya también hace parte de la causa de la migración masiva de campesinos a la ciudad y sirve como metáfora para reflexionar sobre esta problemática. La Roya, por su parte, es la segunda película que presenta el director Juan Sebastián Mesa (Los nadie).
Este 10 de noviembre la película colombiana hace su estreno en las principales salas de cine. El filme sigue la historia de Jorge, un caficultor que ve como su entorno se va desplazando de la tranquilidad y pasividad del campo al bullicio y caos de la ciudad. Él vive con el dolor de la partida del amor de su vida; la ciudad le coquetea, pero una promesa y el arraigo a su territorio lo hace resistir ante la inclemencia de la roya, que además de la plaga representa las amenazas que todo campesino colombiano enfrenta.
La película muestra la inmensidad y belleza de los paisajes del suroeste antioqueño. Al igual que con Los nadie, Mesa optó por el uso de actores naturales para el filme. «Hicimos un ‘scouting’ de un año por la región mirando los pueblos. En paralelo vimos el trabajo de Karel con Matar a Jesús de Laura Mora y creímos que era la persona idónea para la búsqueda de este personaje. Fue difícil porque este tipo de personajes en el campo están en vía de extinción, los jóvenes no quieren trabajar más el campo», señaló José Manuel Duque, productor de La Roya.
Uno de los problemas más grandes que vieron en el protagonista, que es Daniel Ortiz, fueron los rasgos citadinos que tenía en su aspecto, que también remitía al personaje de el Zarco de La vendedora de rosas. Lo segundo más complejo fue proponerle hacer una película, contratarlo y extraerlo de su realidad en el campo. «La primera que me puso problema fue la mujer. Estuvimos debatiendo eso cuatro o cinco meses y le dije que si quería que se fuera, pero yo no me podía perder esta oportunidad», expresa el actor.
A pesar de que estuvieron esperando más de cuatro meses, siempre se estuvo firme en que el actor debía ser natural. La razón principal obedecía a que por mucha preparación que tuviera un actor profesional, no alcanzaría la destreza de un caficultor en las tareas que el campo demanda. «Hay películas como esta que requiere y amerita el actor natural y vale la pena», explica Duque.
Daniel Ortiz es un joven campesino que se gana la vida cultivando café. «Mis papás me enseñaron a trabajar en el campo, así como se ve en la película, así vivo yo», dice Ortiz, que no duda en elegir la vida en el campo en contraste a la vida en la ciudad. Esto lo expresa aunque ha visto cómo varios amigos abandonan su oficio en el campo por buscar mejores oportunidades en la ciudad.
Una de los temas más impactantes de la película es narrar el campo desde la juventud en la actualidad, algo que parece imposible de hallar. La principal inquietud de Juan Sebastián Mesa para crear esta historia nace de que él nació y creció en una región cafetera, pero que la abandonó por la ciudad. De fondo está el cuestionamiento de qué hubiera pasado si se hubiera quedado en el campo. La Roya también nos enfrenta a una pedagogía en la que muchos colombianos nos jactamos de tener al país cafetero por excelencia, pero poco sabemos de su proceso de cultivo.
La película pasó por varias fases. Comenzó siendo una idea demasiado ambiciosa con las escenas, locaciones y personajes, pero en el camino tuvieron que prescindir de muchos elementos. Los realizadores tenían que comulgar con los caprichos climáticos de la zona, que no siempre les jugó a su favor.
Cortesía
«Uno como citadino tiene una idea de lo que quiere retratar del campo y cuando empieza a vivir el campo se da cuenta de que ese retrato que uno quiere está romantizado y mediado por la ciudad y se empieza a transformar. Cuando vives la dinámica de la cosecha y los trabajadores, te das cuenta de un montón de detalles que no había previsto que terminas incluyendo. Es aprender a renunciar y liberar escenas que se ven bonitas al momento de grabar, pero si no funcionan para la película se prescinde», concluye Duque.
La Roya podrá ser juzgada por los colombianos después de su estreno este jueves 10 de noviembre. «Nunca me imaginé que iba a estar acá. Mi familia está ansiosa por ver la película», señala Daniel extendiendo la invitación a los colombianos para que acudan a las salas de cine en todo Colombia.
Después de pasar por el Festival de Cine de San Sebastián en la sección de ‘New Directors’ y ser la película inaugural de FICCI (Festival Internacional de Cine de Cartagena), La Royallegará a las principales salas de cine del país.
Este es el segundo filme del director Juan Sebastián Mesa, cuyo debut en dirección se dio con Los Nadieen 2016. Ahora tiene a La Roya como el segundo filme que presenta.
«Rodar esta película representó no solo rencontrarme con personajes y lugares llenos de significado, sino también un reto enorme. Pretender retratar la cotidianidad de un lugar y entender en el proceso que es la misma cotidianidad el mayor obstáculo. En medio de esta contradicción estuvimos rodando cinco semanas en diferentes lugares del Suroeste antioqueño. La lluvia, los derrumbes, el sol y el lodo fueron recordatorios sobre la constancia y el rigor que se necesita para ser campesino«, asegura Juan Sebastián Mesa, director de la película.
La película, que cuenta con la distribución de Cine Colombia y la producción de Monociclo Cine, Dublin Films (Francia) y RTVC, tendrá su estreno nacional a partir del próximo 10 de noviembre.
Sinopsis
La Roya narra la historia de Jorge, heredero de una finca cafetera del Suroeste antioqueño, que representa, la actualidad de los pueblos colombianos que ven crecer a sus jóvenes para luego despedirlos en la búsqueda por “un mejor futuro” en las grandes ciudades. Jorge, por el contrario, se niega a abandonar el lugar que lo vio crecer y decide hacerse cargo de su tierra y su abuelo.
Cada vez faltan menos horas para que en Colombia se haga el estreno de La Mujer Rey, película protagonizada por Viola Davis. En su primer fin de semana, el filme arrasó en la taquilla estadounisense.
El filme dirigido por Gina Prince-Bythewood logró recaudar 19 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados unidos, según The New York Times. Esto es más del 25 % que los expertos proyectaban.
La Mujer Rey podrá verse en las principales salas de cine de Colombia a partir del 29 de septiembre. Además, apunta a ser una de las películas favoritas de este 2022.
Sinopsis
La película está inspirada en hechos reales, cuenta la historia de las Agojie, una brigada de mujeres guerras que en 1800 protegían al Reino Africano de Dahomey con capacidades extraordinarias y una ferocidad como ninguna que haya visto el mundo.
Los Reyes del Mundohizo historia como película colombiana. Es la primera que representa el país en ganar la Concha de Oro del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
Asimismo, es la primera en lograr el máximo galardón en un festival Clase A, que incluye festivales como Cannes, Venecia, Berlín y Locarno. En Colombia tendrá su estreno oficial para el próximo 13 de octubre en las principales salas de cine.
La película es dirigida por Laura Mora y cuenta con la producción de Cristina Gallego. Ambas fueron las encargadas de recibir el premio durante la ceremonia.
Cristina Gallego
«Me gustaría que este premio fuera un incentivo que cambiara la vida de estos reyes del mundo, que les diera visibilidad que permita en el mundo, porque es un fenómeno que nos atraviesa a todos. Me gustaría que este premio sirva para que estas victorias sean visibles y para que haya un futuro para ellos, como lo ha habido para nosotros. Quiero agradecer a las mamás de estos chicos, que los han criado solas en su mayoría y que han confiado en nosotras para traerlos acá».
Laura Mora
«Ha sido un esfuerzo enorme. Ha sido una película muy difícil de hacer. Llevamos un año pedaleando con un casting maravilloso, que nos han enseñado todo de la vida, la dificultad y la belleza. Los últimos cuatro meses de mi vida han sido excepcionalmente difíciles y no saben lo que significa esto. Es un espaldarazo ante la posibilidad de la renuncia. Eso ha sido gracias a un equipo maravilloso. Quiero agradecer a mi hermano que me ha enseñado a mirar el mundo; a mi papá, que hace 20 años la violencia me lo quitó y hoy llevo la mitad de mi vida sin él, reflexionando acerca de lo aporreados que hemos estado como nación. Espero que esta película sirva para entablar un diálogo y -ojalá- tener la posibilidad de tener un mundo más justo. He descubierto que en el margen es donde está la belleza. Estos chicos me han enseñado que la desobediencia es necesaria en un mundo tan difícil. En un mundo tan difícil, siempre celebrar la vida a pesar de todo».
Sinopsis
Rá (19), Culebro (16), Sere (14), Winny (12) Nano (13) cinco chicos de la calle de Medellín. Cinco reyes sin reino. En sus manos tienen unas viejas escrituras de una tierra heredada por Rá. Tras recibir una carta de la oficina de restitución de tierras del gobierno, notificando la devolución de los terrenos que le fueron arrebatados a su abuela, Rá decidirá emprender el viaje con sus amigos con la promesa de por fin cumplir un sueño: tener un lugar en el mundo donde ser libres, donde estar a salvo, donde construir su propio reino.
La transición entre la juventud y la adultez en muchos casos es un salto al vacío. Pocas veces el cine colombiano se ha centrado en dicha etapa y desde el cine independiente llega Limonada, Limonada,para llenar ese vacío con el que muchos jóvenes -sobre todo universitarios bogotanos- se identificarían con facilidad.
Este filme es producto de un proyecto previo a la graduación de Juan Pablo Heilbron y Nicolás Palacio, los directores. Ellos, desde la ingenuidad del cineasta inexperto, presentan su ópera prima basados en las primeras películas de Luis Buñuel, Chantal Akerman y a Fassbinder, sus principales influencias.
La historia sigue a Mariana (Velilla), una aspirante a arquitecta a punto de graduarse, que se encuentra en un estado de incertidumbre sobre lo que quiere hacer con su vida más adelante. A medida que el filme avanza, ella se encuentra con otro cúmulo de jóvenes que están en la misma situación.
“Siento mucho que lo del limbo y la incertidumbre salió muy autobiográfico. Ese momento que vive Mariana en la película, nosotros lo vivíamos en la universidad, por eso todo es un poco inconcluso, porque lo que vivíamos era inconcluso”, señala Nicolás.
Los directores de Limonada, Limonada son barranquilleros. Igualmente, el filme es producido por Septiembre 83, también de Barranquilla. Ambos vivieron en Bogotá durante seis años y cruzaron caminos en la Universidad Javeriana, donde nació la película.
*Foto: Limonada, Limonada
A pesar de la procedencia de los cineastas, la película recorre las entrañas de Chapinero. La mayoría del rodaje se da en esta localidad bogotana con amplio auge cultural. “Básicamente, los lugares que muestra la película eran los que nosotros circulamos cuando vivíamos en Bogotá. Obviamente es una versión reducida y específica de Bogotá. Tampoco nos interesó hacer ese retrato apegado a la realidad en cuestión de lugares, más bien hay una abstracción de la ciudad y una versión fragmentada, distorsionada, por momentos mágica. En ese sentido fueron lugares muy selectos”, explica Juan Pablo.
De hecho, una de las escenas más nostálgicas tiene lugar en Cine Tonalá, sala que cerró durante la pandemia debido a problemas financieros. El lugar era ubicuo entre los cinéfilos bogotanos y dejó un vacío importante en la escena audiovisual. “Cuando llegué en 2014, abrió Cine Tonalá, y cuando me fui en 2020, cerró. Fue una tristeza enorme, porque fue el lugar donde vi la mayor cantidad de cine. Siempre que veo esa escena, extraño mucho ese sitio”, expresa Nicolás.
Así como la incertidumbre, la película expone un sinfín de contrastes. En cualquier momento se pasa de la fiesta más prendida a conversaciones existenciales y profundas entre los personajes. Los picos y los valles emotivos del largometraje se complementan para intentar explicar el limbo en el que la protagonista flota.
Limonada, Limonada cuenta con un par de características técnicas que salen a la luz. Lo primero es que fue grabada en el formato 4:3 y en blanco y negro con el fin de optimizar gastos en escenografía o el arte. Esto se debe a que con el formato más cerrado entran menos elementos en el cuadro y la paleta de colores para la composición está en una escala de grises. Por otro lado, hay una razón poética que los directores querían dejar plasmada. “Nos parecía chévere que hubiera una similitud entre nuestra ópera prima con las primeras películas de directores que nos gustaban, porque la mayoría son en 4:3 y blanco y negro”, afirma Juan Pablo.
Foto: Limonada, Limonada
Además del paisaje chapineruno y rolo, la banda sonora responde a una movida local muy arraigada a Bogotá. A medida que va avanzando el filme, el espectador se encuentra con canciones de Encarta 98, Quemarlo Todo Por Error o Ha$lopablito, entre otros. La particularidad que une a los artistas que suenan es que vienen de la escena bogotana alternativa.
“Al momento de escoger la banda sonora de la película, buscamos canciones canciones que nos gustaban, pero eran de artistas del extranjero. En la medida que nos fuimos acercando al momento de la selección musical, nos pareció que tenía todo el sentido conceptual que las canciones que se escogieran fueran de artistas que se encontraran en una situación similar. Usualmente eran sus primeras canciones o discos. También al ser bandas de jóvenes, hablaban de temas similares a la película, así que había una sincronía de entre los mundos de estos artistas y nuestro mundo. Obvio cada quién con sus diferencias, pero existe una similitud entre las canciones y da con el aura de la película”, explica Juan Pablo.
Al final de cuentas, Limonada, Limonada es una realidad a pesar de las dificultades económicas que acarreó. De no ser porque la Universidad Javeriana les prestó los equipos y les evitó un gasto de alquiler, la película no habría sido posible. Juan Pablo Heilbron y Nicolás Palacio acudieron a sus ahorros y al apoyo de la gente con campañas de ‘crowdfounding’, y así sacaron adelante este proyecto.
La película ya pasó por el Festival de Cine Independiente de Bogotá (IndieBo), el Festival Internacional de Cine de Thessaloniki y el Festival de CineAl Este. Ahora el largometraje está disponible desde el 8 de septiembre en La Tertulia de Cali, el MAMM de Medellín, la Cinemateca del Caribe de Barranquilla y la Cinemateca Distrital de Bogotá.
Un vacío e incertidumbre embarga a tres almas solitarias que se embarcan en una aventura por las carreteras de Colombia. Aunque El Árbol Rojo es una película sobre los dilemas de una familia disfuncional a finales de los 90, el conflicto armado se integra de manera sutil como un personaje transversal en la trama, cuyo hilo conductor es comandado por la gaita.
La historia sigue a Eliécer (Carlos Vergara), que fue encomendado con la última voluntad de su padre, un popular gaitero que recién murió y al que no ve desde hace décadas. La misión es que él reúna con su madre en Bogotá a Esperanza (Shaday Velásquez), su medio hermana desconocida. Al viaje se une Toño (Jhoyner Salgado), un aspirante a boxeador cuyo sueño es llegar a la capital para ser profesional y tener más oportunidades. A medida que el filme avanza, los personajes tienen que superar una serie de inconvenientes que les impone el destino.
El argumento de El Árbol Rojo se basa en un documental fallido que Joan Gómez quiso realizar junto a Iván Sierra sobre la antigua generación de Los Gaiteros de San Jacinto. La idea que tenían los realizadores era ir al pueblo, sumergirse en la cultura e indagar de dónde salen los populares sones de gaita.
“En horas y horas de entrevistas con ellos siempre aparecía el canto de los pájaros como inspiración para los sones de gaita. Este elemento quedó plasmado en el guion con los pájaros que ellos replican con la gaita. Con la gaita no se escribe, es tradición oral, todo es por oído. Así que todo es por herencia, lo que nos funciona en la historia porque hablamos de padres, hijos, historia, herencia y nos sirve como leitmotiv”, explica Joan Gómez, director del largometraje.
No es la primera vez que Joan Gómez incursiona en una historia en la que hay un conflicto hostil entre padre e hijo. El cineasta había tenido un acercamiento similar a este tema con Asunto de Gallos, cortometraje que escribió y dirigió en 2009. Sin embargo, el conflicto con esta ‘road movie’ es distinto porque parte de un abandono hacia el protagonista.
Afiche de El Árbol Rojo (Cortesía)
En este sentido se evidencia la figura del gaitero como un ‘rockstar’, que va de pueblo en pueblo dejando su arte e hijos regados. Esta característica se asemeja a la figura del patriarca tan común en los juglares vallenatos de antaño en la Costa Caribe. Además, el factor identitario se complementa con la facilidad que estos artistas tienen para comunicarse por medio de la palabra escrita, hablada o cantada. “Cuando yo hablaba con ellos contaban unas historias de grandes narradores en las que no sabes cuándo se atraviesa la línea de la verosimilitud y en qué momento estamos en la leyenda”, concluye Joan Gómez.
Rodar El Árbol Rojo fue todo un reto para los realizadores debido a que por cuestiones personales y de salud, el actor protagonista no podía grabar cuando iniciaba el cronograma de las grabaciones. Afortunadamente para los realizadores, Carlos Vergara, quien inicialmente estaba pensado como protagonista, puso su talento a disposición del equipo y así no retrasaron más el rodaje.
“Esta película es un ejercicio que nunca había hecho en más de 20 años en el medio. Yo había hecho casting para ese personaje, pero no llegamos a un acuerdo de fechas porque yo estaba produciendo y dirigiendo un documental. Cuando me llama Joan, me dice que le ayude porque no tenía a quién más pedirle el favor. Yo me puse en el lugar de él porque he dirigido mis cosas y pensé que para él era muy tenaz”, narra Carlos Vergara, protagonista de la producción.
El largometraje se rodó sin que Carlos tuviera el guion completo. Cada escena que grabaron se la entregaban a él una noche antes para que la estudiara, ya que el filme se grabó secuencialmente. “Estoy en tus manos, vamos a construir este personaje entre los dos”, fue lo que Carlos le dijo a Joan una vez se unió al equipo de rodaje. “Yo vengo del teatro, y sabes que el teatro le da a uno las herramientas con el secreto del ensayo-error; aquí fue ensayo y se fue”, apunta Carlos.
Precisamente, por esta dinámica inédita que se dio durante el rodaje, una de las escenas más fuertes -que está relacionada a la temática del conflicto armado- tuvo un impacto profundo en Carlos Vergara y cuenta que le tomó tiempo procesar esa escena e interpretarla.
Carlos Vergara (Cortesía)
“Te confieso que he visto la película dos veces. Me doy muy duro y casi no quiero verla. Ese momento todavía me conmueve y me quiebro emocionalmente. En el corte final no está todo lo que pasó. Después de esa escena me tocó alejarme para llorar y dejar que fluyera”, expresa Carlos, quien durante el rodaje vivió la incertidumbre de no saber el destino de los personajes que lo acompañaban.
En este viaje que emprenden los tres personajes principales hay un elemento que pesa y era bastante común en las carreteras colombianas para finales de los 90. “Pilas con la carretera”, “en la noche ya no hay carros”, “tengan cuidado” o “no se queden solos en la carretera”, son advertencias recurrentes en el filme que aluden al fantasma de la hostilidad que había con los grupos armados.
“Uno de los grandes retos de la dirección y escritura era lograr un equilibrio de una película que habla de las relaciones familiares disfuncionales y un país por el que necesariamente íbamos. Era muy difícil escribir una historia de la carretera a finales de los 90 que no tocara con la realidad del país, porque era algo que vivías y cualquier persona que viajó en ese momento por Colombia tiene una anécdota en cuanto a la hostilidad con la seguridad del orden público”, dice Joan.
Y aunque la temática pesa, no logra convertirse en el foco principal de atención o sobreponerse al drama familiar que se va contando.
La tradición y la identidad son dos factores cruciales para entender el filme. Así como los sones de gaita se transmiten de manera oral, la relación de cada personaje con su origen está presente. Tal es así, que Eliécer -que dejó de tocar la gaita hace décadas- rememora con el instrumento el son que su padre le dedicó. Además, cada vez que se encuentra con un pájaro, le silba para conectarse con la raíz de lo que en el fondo es la inspiración para los sones de gaita, la herencia de su padre.
“La película reflexiona acerca del origen. El intento es llevar al espectador a ese terreno. Que, sean cuáles sean tus orígenes, regreses allí, porque las raíces siempre aparecen de vuelta. Las puedes negar, pero siempre están allí para bien o mal”, concluye Joan.
El Árbol Rojo comenzó su rodaje en Rincón del Mar (Sucre). Otras escenas tuvieron lugar en Berrugas y San Onofre en Sucre; tuvo su paso por Magdalena y Bolívar; luego en Santander pasaron por Guane, Barichara y rodearon el Cañón del Chicamocha hasta llegar a Guasca (Cundinamarca). La travesía de la película y el rodaje culminó en Bogotá.
“Primero hicimos un viaje para buscar las locaciones con las cabezas del equipo. Alquilamos un carro y fueron 2.300 kilómetros que recorrimos buscando cada locación”, recuerda Sonia Barrera, productora del filme. “Hubo momentos en los que la cámara falló por la humedad de la playa. Un día la niña estuvo en la clínica porque le afectó el cambio de clima. Después todo fluyó, pero el arranque fue difícil. La gente ayudó a que fluyera, en cada locación la comunidad nos colaboró un montón. Fuimos muy honestos con todos, sin generar expectativas”, explicó.
A pesar de las dificultades que hubo con la logística y el elenco en esta película de carretera, a partir del 1 de septiembre los colombianos podrán disfrutarla y juzgar si el esfuerzo del equipo valió o no la pena.
El Árbol Rojo tuvo su estreno mundial en el Black Nights International Film Festival de Estonia y también tuvo su respectivo paso por el Festival Internacional de Cine de Cartagena -FICCI-.
Esta semana Netflix hizo el lanzamiento del tráiler de Matilda, película basada en el musical de Broadway homónimo escrito por Dennis Kelly, que también participará en el guion de esta nueva entrega.
Una de las polémicas más marcadas ha sido la actriz que interpreta a la Señorita Mielpor su color de piel. Se trata de la londinense Lashana Lynch, a quien le han llovido críticas por ser negra e interpretar este personaje, que en el filme de 1996 fue interpretado por Embeth Davidtz, de tez blanca.
Esta polémica ha escalado en un debate que se ha tomado las redes sociales que enfrenta acusaciones de inclusión forzada de un lado y racismo de otro.
Estos comentarios han sido confrontados y señalados de racistas, dado que debido a que la historia es una del musical -más no del libro de Roald Dahl ni de la película de Danny DeVito– la Señorita Miel sí puede ser negra, sin contar que en las adaptaciones hay lecturas libres del creador.
De hecho, algunos otros critican a quienes señalan la inclusión forzada por no alarmarse de que en esta nueva película de Matilda, Lavanda Brown-amiga de la protagonista en el filme de 1996- haya pasado de ser una niña negra a una niña blanca.
La nueva Lavanda Brown de la nueva versión de Matilda para Netflix
